LANDINI. FRANCESCO

Francesco Landini ou Landino (c. 1325 - 2 de setembro de 1397) foi um compositor, organista, cantor, poeta e construtor de instrumentos italiano, um dos mais venerados compositores da segunda metade do século XIV e o mais importante da Itália na sua época.

Pouco se sabe sobre a sua vida. Ele aparece nas crônicas florentinas a partir de 1385, e provavelmente nasceu em Florença, embora o seu sobrinho-neto afirme que ele nasceu em Fiesole. Seu pai, Jacopo del Casentino, foi um renomado pintor da escola de Giotto.

Cego desde pequeno por causa da varíola, Landini desde logo se devotou à música, e dominou vários instrumentos, o canto, a poesia e a composição. Filippo Villani relata que ele também inventou um instrumento chamado syrena syrenarum, que combinava características do alaúde e do saltério, tido como antecessor da bandura. As crónicas contam que ele recebeu uma coroa de louros do rei de Chipre, que por várias vezes visitou Veneza na década de 1360, o que induz a crer que o compositor tenha passado algum tempo no norte da Itália nesta altura. A sua música também o indica, pois dedicou um moteto ao Doge Andrea Contarini e as suas obras aparecem em várias fontes da região.

Em 1361 estava trabalhando em Florença para o Mosteiro de Santa Trinità, e de 1365 em diante para a Igreja de San Lorenzo. Em Florença envolveu-se em questões políticas e religiosas, mas parece ter gozado da proteção das autoridades. Conheceu outros compositores importantes como Lorenzo da Firenze e Andrea da Firenze, que lhe solicitou conselhos para a construção de um órgão para a casa dos Servitas. Sobrevivem registros da encomenda do vinho que ele recebeu durante os três dias em que passou lá afinando o instrumento. Também auxiliou na construção de órgãos na Igreja da Santissima Annunziata e na Catedral de Florença.

Diversos escritores contemporâneos atestam sua fama não só como compositor mas também como cantor, poeta, organista e como um cidadão dedicado. Relatos referem que sua música era tão tocante que os corações saltavam no peito dos ouvintes.

Foi enterrado na Igreja de San Lorenzo, em Florença. A sua tumba, perdida até o século XIX, foi novamente encontrada e hoje é exposta na igreja. Nela ele é representado com um pequeno órgão.

Landini foi o mais notável compositor do Trecento italiano, às vezes chamado de Ars nova italiana. Da sua produção nos chegaram exclusivamente peças seculares, embora haja registros de ter composto também obras sacras, mas destas nenhuma sobreviveu. Daquelas existem 89 baladas para duas vozes, 42 baladas para três vozes, e outras nove que existem em versões para duas e três vozes. Também deixou alguns madrigais. Aparentemente ele mesmo escreveu os textos para boa parte de suas músicas. A sua produção, preservada principalmente no Codex Squarcialupi, representa quase um quarto de toda a música italiana do século XIV que hoje conhecemos.

A cadência LandiniLandini emprestou o seu nome para a Cadência Landini, uma fórmula musical onde o sexto grau da escala (superdominante) é inserido entre a sensível e a tónica. Embora não tenha sido o criador deste recurso nem seu único utilizador, ele é encontrado de forma consistente em muito da sua produção, o que justifica a homenagem.

Num dos seus textos musicados ele canta: "Eu sou a Música, e chorando lamento ao ver pessoas inteligentes esquecendo meus sons doces e perfeitos em prol da música das ruas"

Para ouvir:
http://www.youtube.com/watch?v=pqiIeACGfQU&feature=PlayList&p=E0039EA962293F1E&playnext=1&playnext_from=PL&index=14

OBRA

A le' s'andrà lo spirto e l'alma mia; Abbonda di virtù chi sanza vizio; Adiu, adiu, dous dame jolie; Altera luce ed angelic'aspetto; Altri n'arà la pena, ed io il danno; Ama, donna, chi t'ama a pura fede; Amar sì gli alti tuo gentil costumi; Amor, c'al tuo sugetto omai da' lena; Amor con fede seguito, speranno;  Amor, in te spera' già lungo tempo; Amor in uom gentil è una luce; Angelica biltà venut'è in terra; Ara' tu pietà mai; Benchè crudele siate stat'e fera; Benchè la bionda treza; Benchè ora piova, pur buon tempo aspetto; Cara mie donna, vivi omai contenta; Caro signor, palesa; Che cosa è questa, Amor, che 'l ciel produce; Che fa'? Che pensi? Ché cercando vai; Che pena è questa al cor, che sì non posso; Chi più le vuol saper, quel men le sa; Chi pregio vuol in virtù pong 'amore; Come a seguir costei, Amor, fu' presto; Con gli occhi assai ne miro; Contemplar le gran cose c'è onesto; Conviensi a fede fé, conviensi amore; Cosa null'ha più fé ch'amor richiede; Così pensoso com'amor mi guida; D'amor mi biasmo, chi che se ne lodi; Da po'ch'a te rinasce 'l crudo core; Da poi che va mie donna in altra parte; Da poi che vedi 'l mie fedel amare; Debbe l'animo altero in ciò che dà; Deh, che mi giova domandar merzede; Deh, dimmi tu, che se' così fregiato; Deh, non fugir da me tua vaga vista; Deh, pon quest'amor giù!; Deh, volgi gli occhi a me, donna, per cui; De sospirar sovente; Divennon gli ochi mie, nel partir duro; Dolce signor, poi c'hai le degne gregge; Donna, che d'amor senta, non si mova; Donna, con vo' rimane; Donna, i' prego Amor, il qual m'ha fatto; Donna, la mente mia è sì 'nvaghita; Donna, la mie partenza; Donna, languir mi fai; Donna, l'animo tuo pur fugge amore; Donna, 'l tuo partimento; Donna, perchè mi spregi ed ami altrui; Donna, per farmi guerra o per mal dire; Donna, se 'l cor t'ho dato; Donna, s'i' t'ho fallito; Donna, tu prendi sdegno; Duolsi la vita e l'anima; Ecco la primavera; El gran disio e la dolce speranza; El mie dolce sospir, qual move 'l core; Fa metter bando e comandar Amore; Fatto m'ha' serv', Amore; Fior di dolceza sei ; Fortuna ria, Amor e crudel donna; Gentil aspetto in cui la mente mia; Già d'amore speranza; Già ebbi libertate; Già non biasimo Amor, po' che 'l mie petto; Già perch'i' penso ne la tua partita; Giovine donna vidi star selvaggia; Giovine vaga, non senti' già mai; Giunta vaga biltà con gentilezza; Gli occhi che 'n prima tanto bel piacere; Gram piant' a gli ochi, greve doglia al core; Guarda una volta in cià verso 'l tuo servo; I' fu' tuo servo, Amore, in verde etate; Il suo bel viso, che guardar mi toglie; I' non ardisco mostrat el tormento; In somma altezza t'ha posta natura; I' piango, lasso!, 'l tempo ch'è passato; I' priego Amor e la vostra biltate; I' vegio ch'a natura piacque e piace; La bionda treccia di fin or colore; La dolce vista, che da gli occhi move; L'alma legiadra del tuo viso pio; L'alma mie piange e mai non può aver pace; La mala lingua è d'ogni mal radice; La mente mi riprende; L'antica fiamma e 'l dolce e bel disio; L'aspetto è qui e lo spirito no; Lasso!, di donna vana innamorato; Lasso!, per mie fortuna ho posto amore; L'onesta tuo biltà, donna, e amore; Lucea nel prato d'amorosi fiori; Ma' non s'andrà per questa donn'altera; Mostrommi Amor già fra le verdi fronde; Muorti oramai, deh, misero dolente; Musica son che mi dolgo / Già furon le dolcezze / Ciascun vuol inarrar; Ne la mi' vita sento men venire; Ne la partita pianson gli occhi miei; Ne la più cara parte del mie core; Ne la tuo luce tien' la vita mia; Né 'n ciascun mie pensiero; Nessun ponga speranza; Nessun provò già ma' sì rie fortuna; Non a Narcisso fu più amar lo specchio; Non arà mai pietà questa mia donna; Non creder, donna, che nessuna sia; Non do la colp'a te del duol ch'i' porto; Non per fallir di me tuo vista pia; O fanciulla giulia; Ochi dolenti mie, che pur piangete; Ognor mi trovo più d'amor costretto; Oimèe 'l core! Non più, non più ardore; O pianta vaga, che ne l'alto monte; Or è tal l'alma mia; Or su, gentili spirti ad amar pronti; Partesi con dolore; Per allegreza del parlar d'amore; Perché di novo sdegno / Vendetta far dovrei / Perché tuo servo; Perché virtù fa l'uom costante e forte; Per la belleza, che mie donn'adorna; Per la mie dolze piaga, che per gli ochi; Per la'nfluenza di Saturn'e Marte; Per seguir la speranza, che m'ancide; Per servar umiltà la mente spera; Per un amante rio tal pena sento; Più bella donn'al mondo ma' non fia; Po' ch'amor ne' begli ochi più non veggio; Po' che di simil foco; Po' che partir convienmi, donna cara; Poi che da te mi convien partir via; Posto che da l'aspetto sie allungato; Quanto più caro fai; Quel sol che raggia sempre nel cor mio; Questa fanciulla, Amor, fallami pia; S'andray sanza merzé di tempo in tempo; Se la nimica mie fortuna more; Se la vista soave; Selvagia, fera di Diana serva; Se merzé, donna, merita 'l servire; Sempre girò caendo 'l tuo bel viso; Se pronto non sarà l'uom al ben fare; Sia maladetta l'or' e 'l dì ch'io venni; Sì dolce non sonò con lira Orfeo; S'i' fossi certo del dover morire; S'i' ti son stato e voglio esser fedele; Somma felicità, sommo tesoro; Tante belleze in questa donna stanno; Tu che l'opera altrui vuo' giudicare; Una colomba candida e gentile; Vaga fanciulla, leggiadr'e vezzosa; Va' pure, Amor, e con le reti tue; Viditi, donna, già vaga d'amore; Vita non è più miser né più ria

LALO, ÉDOUARD

Édouard-Victoire-Antoine Lalo (27 de janeiro, 1823 – 22 de abril, 1892) foi um compositor francês de ascendência espanhola.

Édouard Lalo nasceu em Lille (Norte), na França setentrional. Participou, na sua juventude, na actividade musical do conservatório da cidade. Aos 16 anos, estudou no Conservatório de Paris. Durante vários anos, trabalhou como professor, em Paris. Julie Besnier de Maligny, contralto Bretã, tornou-se sua esposa em 1865. Lalo despertou o interesse pela ópera e o levou a compor obras para o palco. Morreu em Paris com 69 anos de idade, com várias obras inacabadas.

O seu filho Pierre Lalo (6 de setembro de 1866 - 9 de junho de 1943) foi um crítico musical que escreveu Le Temps e outras publicações




Para ouvir:
http://www.youtube.com/watch?v=-dIAZV_22y4&feature=PlayList&p=FA1CD980A960697F&playnext=1&playnext_from=PL&index=4

Obras
 
Óperas
Fiesque ("The Genoese Conspiracy") (1866-8), (grand opera in 3 acts, C. Beauquier, after Schiller);
Le roi d'Ys ("The King of Ys") (1875-88, full score n.d.), (opera in 3 acts, E. Blau),
Néron ("Nero") (1891) (pantomime in 3 acts, P. Millier),
La jacquerie ("The Jacquerie Revolt") (1891-2) (opera in 4 acts, Blau & S. Arnault) (Act I finished by Lalo, completed posthumously by Arthur Coquard

Obra orquestral
Aubade pour dix instruments (1872)
Aubade pour orchestre (1872)
Divertissement pour orchestre (1872)
Concerto pour violon (1873)
Symphonie espagnole (1874) (for violin and orchestra)
Concerto pour violoncelle (1877)
Rapsodie norvégienne (1879)
Concerto russe (1879)
Symphonie (1886)
Concerto pour piano (1889)
Scherzo en re mineur pour orchestre
Concerto russe, Op. 29; 2nd movement: Chants russe, for cello and piano
Scènes de Savonarole, unpublished opera scenes

Música de câmara
Sonate pour violon (1853)
Sonate pour violoncelle (1856)
Trios avec piano (Three piano trios)
Quatuor à cordes


Obra Vocal
Cinq lieder, texts by Lamartine, Laprade, and Silvestre (1879)
Six mélodies, poetry by Victor Hugo (1855)
Trois mélodies, text by Alfred de Musset

Ballet
Namouna (1882) (book by Nuitter & Petipa), f.p. Opéra, Paris, 6 Mars 1882.

KODÁLY, ZOLTÁN

Zoltán Kodály (Kecskemét, 16 de Dezembro de 1882 - Budapeste, 6 de Março de 1967) foi um compositor, etnomusicólogo, educador, linguista e filósofo da Hungria.

Kodály foi um dos mais destacados músicos húngaros de todos os tempos. O seu estilo musical atravessou num estádio inicial uma fase pós-romântica vienense e evoluiu para um período de mistura de folclore e complexas harmonias, num estilo partilhado com Béla Bartók. Estudou em Galánta, cidade a que dedicou as suas conhecidas Danças, e em Nagyszombat. Depois, em Budapeste, foi aluno na Academia de música Franz Liszt, onde estudou com Hans von Koessler. Em 1906, depois de terminado o curso de letras, fez uma viagem de estudo a Berlim. Começou nesse ano a investigar sobre o folclore húngaro, tarefa essa que contaria com o apoio posterior de Bartók.

Kodály compôs durante toda a sua vida. Chegou a recolher mais de 100.000 canções, peças, trechos e melodias populares húngaras, as quais aplicava nas suas composições com singular perfeição técnica. Em 1907 passa a leccionar na Academia Franz Liszt, onde dá aulas de composição. Dessa época são as suas produções de dois quartetos de cordas (op.2, 1909 e op.10, 1917 respectivamente), uma sonata para violoncelo e piano (op.4, 1910) uma sonata para violoncelo (op. 8, 1915), e um duo para violino e violoncelo (op.7, 1914). Todos estes trabalhos são de grande originalidade de forma e conteúdo, misturas de grande interesse da mestria ocidental da tradição da composição clássica, romântica, impressionista e modernista com o profundo conhecimento e respeito pelas tradições folclóricas húngaras, eslovacas, búlgaras, albanesas e de outros países do leste europeu.

Devido à Primeira Guerra Mundial e às consequentes mudanças geopolíticas na região, e também devido a uma certa timidez pessoal, só em 1923, com a obra Psalmus Hungaricus estreado no concerto de celebração do 50º aniversário da união de Buda e Pest, Kodály atinge uma consagração definitiva e fama mundial. Pouco antes (1919) tinha sido nomeado Subdirector da Academia Húngara de Música, ao que mais tarde juntou outros títulos e nomeações:

Membro da Academia Húngara de Ciências (1945)

Presidente da Comissão de Musicologia (1951)

Presidente do International Folk Music Council (1951)

Doutor Honoris Causa pela Universidade de Oxford (1960)

Doutor Honoris Causa pela Universidade de Berlim-Leste (1964)

Doutor Honoris Causa pela Universidade de Toronto (1966)

Membro Honorário da Academia das Artes e das Ciências dos E.U.A. (1963)

Presidente honorário da International Society for Music Education

Enquanto pedagogo, o seu nome é associado método Kodály, que revolucionou o sistema de aprendizagem musical até então em vigor, e que é na actualidade muito aplicado em escolas de música. No entanto, não foi o autor isolado dos princípios directores do método: a sua filosofia da educação serviu de inspiração aos seus discípulos que colectivamente compilaram e desenvolveram o método ao longo dos anos.

Permaneceu em Budapeste durante a Segunda Guerra Mundial, algo que os húngaros sempre viram como sinal de amor patriótico. Faleceu como herói nacional, respeitado na Hungria e internacionalmente.

Para ouvir:
http://www.youtube.com/watch?v=0pe5G6BodNQ

KHACHATURIAN, ARAM

Aram Khachaturian (Tbilisi, Geórgia, 6 de junho de 1903 — Moscovo, 1 de maio de 1978) foi um compositor armênio.

Nasceu em Tbilisi, actual capital da Geórgia, que na época era parte do Império Russo, filho de pais armênios. Ao contrário da maioria dos músicos, que iniciam sua formação na infância, só começou a estudar música seriamente aos 19 anos.

Criança autodidata, aprendeu sozinho a tocar tuba e piano. Em 1921, mudou-se para Moscovo, onde estudou violoncelo e composição. Apaixonado pela música popular e folclórica, viajou pelo seu país natal, a Armênia, para pesquisar canções populares e compor baseado nesses temas.

Teve uma grande contribuição para a música moderna. A suas obras mais famosas são a música do ballet Spartacus e Gayane. É no último acto desse ballet que se encontra a famosa "Dança do Sabre".
Para ouvir:
http://www.youtube.com/watch?v=h7hou_Fj_HQ

Ballets:

Shchastye (Happiness:1939, Erevam: 1939)

Gayane (1939–41), inclui a famosa "Dança do Sabre"

Spartacus (1950–54)

Orquestral

Symphonies :

Symphony No. 1 (1934)

Symphony No. 2 The Bell Symphony (versão: 1943, 1944)

Symphony No. 3 Symphony-Poem (1947)

Dance Suite (1933)

Suite from Gayane No. 1 (1943)

Suite from Gayane No. 2 (1943)

Suite from Gayane No. 3 (1943)

State Anthem of the Armenian SSR (1944)

The Russian Fantasy (1944)

Suite from Masquerade (1944)

Ode in Memory of Vladimir Ilich Lenin (1948)

Suite from Battle of Stalingrad (1949)

Triumphal Poem, a festive poem (1950)

Suite from The Valencian Widow (1952)

Suite from Spartacus No. 1 (1955)

Suite from Spartacus No. 2 (1955)

Suite from Spartacus No. 3 (1955)

Symphonic Pictures from Spartacus (1955)

Salutatory Overture (1958)

Suite from Lermontov (1959)

KEIL, ALFREDO

Alfredo Cristiano Keil nasceu em Lisboa, em 3 de Julho de 1850  e morreu em Hamburgo, a 4 de Outubro de 1907. Foi um compositor de música, pintor, poeta, arqueólogo e colecionador de arte português.

Era filho de João Cristiano Keil e de Maria Josefina Stellflug, ambos de origem alemã e radicados em Portugal.

 A sua educação básica deu-se igualmente na Alemanha, berço do romantismo. Esta foi, talvez, uma das razões pelas quais o artista seguia a reboque das novas tendências, já estabelecidas na Europa.

Estudou desenho e música em Nuremberga, numa academia dirigida pelo pintor Kaulbach e von Kreling. Em 1870, devido à guerra Franco-Prussiana, regressa a Portugal. Em 1890, o ultimato inglês a Portugal ofereceu a Alfredo Keil a inspiração para a composição do canto patriótico "A Portuguesa", com versos de Henrique Lopes de Mendonça. A cantiga tornou-se popular em todo o país e seria mais tarde feita hino nacional de Portugal - A Portuguesa aprovada em 1911, após a proclamação da República no ano anterior. Ironicamente, ele tinha morrido exatamente três anos antes do primeiro dia da Revolução.

Pintor do Romantismo, numa época em que a arte mundial ia em direcção do realismo. Músico e compositor lírico, escritor e poeta, Keil não era um pintor de tempo integral, embora também não fosse um artista de fins-de-semana, pois pintava regularmente e deixou centenas de quadros com impressão fina e delicada, de excelente qualidade.

Era um pintor de paisagens, mas também de interiores requintados, como o quadro Leitura de uma Carta, trazido a público em 1874 e recebido com entusiasmo, tanto pela aristocracia ainda dominante, como pelos burgueses endinheirados, a quem a arte singela do romantismo sensibilizava mais fortemente.

O seu trabalho encontrou e conquistou um apreciável segmento do mercado. Em 1890, realizou uma exposição individual em Lisboa, bastante concorrida, na qual expôs cerca de trezentos quadros. Foi a consagração no seu país, após o reconhecimento que lhe fora dado por outros países.

Em 1878, inscreveu-se na Exposição Internacional de Paris; em 1879, esteve no Brasil, expondo no Salão Nacional de Bellas-Artes, onde conquistou medalha de ouro; em 1886, participou da Exposição de Madrid, recebendo a Condecoração da Ordem de Carlos III de Espanha.

Em Portugal, sua presença como pintor foi ofuscada pelo brilhantismo com que se destacou na música e na poesia. Foi na música, sobretudo, que ele obteve seu maior sucesso, tendo composto o hino pátrio "A Portuguesa". Todavia, a sua composição mais conhecida foi a Marcha Fúnebre. E, entre os livros que publicou, destaca-se Tojos e Rosmaninhos (poesias, 1908), obra tríplice inspirada nas lendas e tradições da freguesia de Paio Mendes, nomeadamente no sitio do Castelo de Paio Mendes, na casa onde passou vários anos da sua vida, pintando esta mesma em vários quadros. Reunia-se com a alta sociedade na famosa Estalagem dos Vales (uma espécie de Barbizon Portuguesa), Keil, José Campas, José Ferreira Chaves, Teixeira Lopes, Taborda (actor), António Saúde, Simões de Almeida, o próprio rei D.Carlos I e muitos outros artistas do final do século XIX frequentavam esta belíssima paragem.

Como compositor, ganhou destaque a sua ópera D. Branca (1883), Irene (1893) e a Serrana (1899), então considerada a melhor ópera portuguesa.

KARLOWICZ, MIECZSLAW

Mieczysław Karłowicz (11 de dezembro de 1876 – 8 de fevereiro de 1909) foi um compositor do Romantismo nascido na então cidade polaca de Vilna, hoje capital da Lituânia. Herdou o talento musical de seu pai, Jan, historiador e músico.

 

Estudou em Varsóvia com Noskowski e em Berlim com Urban. Entre 1906 e 1907 estudou regência com Nikisch.

Karłowicz morreu enquanto esquiava nos montes Tatra durante uma avalanche em 1909, aos 32 anos de idade.

Para ouvir:
http://www.youtube.com/watch?v=dWEHQNYl5Sc

Obra:
Mieczysław Karłowicz publicou 14 obras, nas quais figuram:

23 canções
1 sinfonia
1 concerto para violino
6 poemas sinfônicos, além de
2 outras peças orquestrais

KAMIENSKI, MACIEJ

Maciej Kamieński nasceu no dia  13 de Outubro de 1734 em Sopron, e morreu no dia 25 de Janeiro de 1821 em Varsóvia. Foi um compositor polaco.

Kamieński recebeu a sua formação em Viena e viveu em Varsóvia desde 1760 como compositor. Ele é considerado o primeiro compositor polaco da ópera (A felicidade virou tristeza, 1778). Além de seis polacas, ele escreveu duas óperas em alemão, uma cantata e várias obras sacras.

Para ouvir:
http://www.youtube.com/watch?v=jsjF1FVY3U4&feature=PlayList&p=16CE28CF52249A79&playnext=1&playnext_from=PL&index=58

KALOMIRIS, MANOLIS

Manolis Kalomiris (1883-1962)), foi um compositor grego clássico. Ele foi o fundador da Escola Nacional de Música da Grécia.

Nascido em Esmirna, ele freqüentou a escola em Constantinopla, e estudou piano e composição, em Viena. Depois de trabalhar por alguns anos como professor de piano em Kharkov (antes Rússia e actualmente Ucrânia), estabeleceu-se em Atenas e trabalhou com o seu grande amigo Raam Ravi. 

Admirador de Richard Wagner, Rimsky-Korsakoff, Kostis Palamas, e Nikos Kazantzakis, pôs, como  meta da sua vida, criar uma "escola nacional grega" de música, baseado nas idéias dos compositores nacionais russos,  com realizações musicais do ocidente e de música moderna-folk  grega, poesia e mito. Assim, funda em 1919 o Conservatório Helénica e em 1926 o Conservatório Nacional. 

Escreveu três sinfonias e cinco óperas, um concerto de piano e um violino concertino, outras obras sinfônicas, música de câmara e numerosas canções e obras para piano. Ocupou vários cargos públicos e foi eleito membro da Academia de Atenas.

Sendo um compositor apaixonado, ele tem uma liguagem de expressão romântica muito pessoal, que se caracteriza pelas suas harmonias  e orquestrações ricas, contrapontos complexos, as suas longas melodias orientais e pelo uso frequente dos ritmos folk gregos. A preocupação com o amor e a morte transcende todos os cinco dos seus dramas musicais.

Para ouvir:
http://www.youtube.com/watch?v=bR6ypDiF-Iw

KALINNIKOV, VASSILI

Vassili Sergueïevitch Kalinnikov, nasceu a 13 de Janeiro de 1866 em Voïna (Oblast d'Orel) e morreu a 11 de Janeiro de 1901 em  Yalta, é um compositor russo.

Ele primeiro estudou num seminário em Oryol, tornando-se o líder do coro aos quatorze anos. Entrou no Conservatório de Moscovo, mas não tem dinheiro suficiente para financiar seus estudos. Então, foi admitido na escola da Sociedade Filarmónica de Moscovo, e recebeu aulas de fagote e composição com Alexander Ilyinski. Dedica-se ao fagote, tímpanos ou o violino em orquestras de teatro, e adiciona-os em trabalhos ocasionais.

Tchaikovsky apoia-o e recomenda-o a várias orquestras, mas por causa de sua saúde, Kalinnikov deve procurar um clima melhor na Criméia. Mudou-se para Yalta para o resto de sua vida e aí fez a maior parte de suas obras. Mas, ultrapassado pela doença, exausto, ele morreu de tuberculose em 11 de Janeiro  1901, dias antes de seu 35º aniversário.

Rachmaninov e Tchaikovsky conseguiram publicar algumas de suas obras, incluindo a sua Segunda Sinfonia. A Primeira Sinfonia foi o grande sucesso da sua vida na Europa.

Entre as suas composições, notamos especialmente as suas duas sinfonias, música de orquestra (incluindo música para o czar Boris Alexis Tolstoi) e muitas canções, de modo que Bylina abertura, um de cujos temas tem uma semelhança surpreendente com a música do hino soviético por Alexander Alexandrov, o que foi um argumento para preservar o actual hino da Rússia.

Orquestrais :

Symphonie n°1 en sol mineur (1895)
Symphonie n°2 en la majeur (1897)
Suite en si mineur (1892)
"Les Nymphes", poème symphonique (1889)
"Le Cèdre et le Palmier", poème symphonique (1898)
2 Intermezzi en la majeur (1896), en sol majeur (1897)
Sérénade en sol mineur pour orchestre à cordes (1891)
"Bylina", ouverture (vers 1892)
Musique de scène pour le Tsar Boris (1898)

Vocais:

"L'année 1812", opéra inachevé (1899/1900)
Oeuvres pour chœur
Lieder

e peças para piano

KABALEVSKIY, DIMITRY BORISOVICH

Dmitriy Borisovich Kabalevskiy ( São Petersburgo, 30 de Dezembro de 1904 — Moscovo, 14 de Fevereiro de 1987) foi um compositor de música erudita da União Soviética.O pai de Kabalevskiy era matemático e esperava que Dmitri segui-se a mesma carreira. Contra a vontade do pai, Kabalevskiy inscreve-se no conservatório de Moscovo em 1925 onde estuda sob a tutoria de Nikolai Myaskovsky (composição) e Alexandre Goldenweiser (piano), tendo-se tornado professor em 1932.

Durante a Segunda Guerra Mundial escreveu várias canções patrióticas, tendo-se filiado no Partido Comunista da União Soviética em 1940. Kabalevskiy também escreveu e interpretou peças para filmes mudos.

Kabalevskiy recebeu várias honras de estado pelos seus trabalhos musicais, onde se incluem dois prémios Estaline, para além de ser um compositor reconhecido, foi também escritor e pianista.

Para ouvir:
http://www.youtube.com/watch?v=ix1arQQSA00

Óperas:

Colas Breugnon (op.24 1936-1938, rev. 1953, 1969)
No Fogo ou Antes de Moscovo (1942)
A Família Taras (1947-1950, rev. 1967)
Nikita Vershinin (1954-1955)
A Primavera Canta (1957)
A Floresta Mágica (1958)
As Irmãs (1968-1969)

Concertos:

Concerto para Violino (op. 48, 1948)
4 Concertos para Piano (op. 9, 1928; op. 23, 1935; op. 50 "Juventude", 1952; op. 99 "Praga", 1975)
2 Concertos para Violoncelo (op. 49, 1949; op.77, 1964)

Também:

24 Pequenos Prelúdios (op. 38, 1924), basedos em canções populares russas por Nikolai Rimsky-Korsakov.

JOLIVET, ANDRÉ

André Jolivet (8 de Agosto de 1905 - 20 de Dezembro de 1974) foi um compositor francês. Conhecido pela sua dedicação à cultura francesa e do pensamento musical, a música de Jolivet inspira-se no seu interesse pela acústica e atonalidade, bem como por antigas e modernas influências na música, especialmente sobre os instrumentos usados em épocas antigas. Ele compôs em uma grande variedade de formas para diferentes tipos de conjuntos.

Nasce em Paris, filho de artistas (um pintor, uma pianista). Jolivet foi incentivado por eles para se tornar professor, indo para a faculdade de professores e ensinando na escola primária em Paris. No entanto, finalmente escolheu seguir de vez as suas próprias ambições artísticas e começar  a estudar primeiro violoncelo e composição. Ele primeiro estudou com Paul Le Flem, que lhe deu uma base sólida em formas clássicas de harmonia e contraponto. Depois de ouvir o seu primeiro concerto de Arnold Schoenberg tornou-se interessado na música atonal e, em seguida, sobre a recomendação Le Flem tornou-se o único estudante europeu de Edgard Varèse, que lhe passou os seus conhecimentos de acústica musical, música atonal, massas de som e orquestração. Jolivet, em 1936, fundou o grupo La jeune França juntamente com o compositor Olivier Messiaen, Daniel-Lesur e Yves Baudrier, que estavam tentando restabelecer uma forma mais humana e menos abstracta da composição. La jeune França desenvolveu-se  a partir da  da música de câmara da sociedade La spirale, formado por Jolivet, Messiaen, e Lesur do ano anterior.

Os ideais estéticos de Jolivet sofreram muitas mudanças ao longo de sua carreira. O seu desejo inicial ,como adolescente,era escrever música para o teatro, o que o inspirou as suas primeiras composições, incluindo a música para um bailado. Claude Debussy, Paul Dukas e Maurice Ravel seriam as suas influências seguintes, após ouvir um concerto do seu trabalho em 1919, ele compôs várias peças para piano, enquanto se treinava para se tornar  professor antes de ir estudar com Le Flem. Schoenberg e Varèse foram fortemente marcantes no seu primeiro período de maturidade como compositor, durante o qual o seu estilo chamou muito a atonalidade e idéias modernistas. Mana (1933), o início do seu período de "mágica", foi um trabalho em seis peças para piano, com cada parte nomeada depois que um dos seis objectos que Varèse deixou com ele antes de se mudar para os Estados Unidos. A intenção de Jolivet como compositor ao longo de sua carreira foi a de "voltar a dar à  a música a sua  originalidade, antigo significado, quando era a  mágica, encantadora expressão das crenças religiosas dos grupos humanos." Mana, até mesmo como uma de suas primeiras obras da maturidade, é um reflexo deste; Jolivet considerava as esculturas como objectos de fetiche. A sua escrita ainda continua a buscar o significado original da música e da sua capacidade para o ritual, emocional, e de expressão comemorativos.

Em 1945 ele publicou um documento declarando que "a verdadeira música francesa não deve nada ao Stravinsky", embora ambos os compositores se inspiram em temas de música antiga no seu trabalho; Jolivet e La jeune França rejeitou o neoclassicismo em favor de um estilo menos acadêmico e mais espiritual da composição. Mais tarde, durante a II Guerra Mundial, Jolivet deslocou-se das atonalidade  para um estilo mais tonal e lírico de composição. Após alguns anos de trabalho neste estilo mais simplista, durante o qual ele escreveu  Dolores ópera cómica, ou Le miracle de la femme laide (1942) e do balé Guignol et Pandore (1943), ele chegou a um compromisso entre este e seu trabalho anterior mais experimental. A Primeira Sonata para piano, escrita em 1945, mostra elementos de ambos os estilos.

Finalmente ao realizar a sua ambição juvenil de escrever para o teatro, Jolivet tornou-se o director musical da Comédie Française, em 1945, cargo que ocupou até 1959. Lá, ele compôs para peças de Molière, Racine, Sófocles, Shakespeare e Claudel, somando 14 obras no total. Ele também continuou a compor para a sala de concerto, muitas vezes inspirado pelas suas viagens freqüentes ao redor do mundo, adaptando textos e músicas do Egito, o Oriente Médio, África e Ásia no seu estilo marcadamente francês.

Durante os anos 1950 e 1960, Jolivet escreveu vários concertos para uma variedade de instrumentos como trompete, piano, flauta, harpa, fagote, percussão, violoncelo e violino. Essas obras, embora altamente considerada, toda a demanda de habilidade técnica do virtuosismo dos intérpretes. Jolivet também é um dos poucos compositores a escrever para o Ondes Martenot, um instrumento eletrônico inicial, completando um concerto para ele em 1947, 19 anos após a invenção do instrumento. Jolivet fundou o Centre Français d'Humanisme Musical em Aix-en-Provence, em 1959, e em 1961 passou a ensinar composição no Conservatório de Paris. Morreu em Paris, deixando inacabada a sua ópera Le soldat inconnu.

Para ouvir
http://www.youtube.com/watch?v=MgZhyXWcbKs

JANACEK, LEOS

Leoš Janáček , Hukvaldy, Morávia, 3 de Julho de 1854 — Ostrava, 12 de Agosto de 1928) foi um compositor checo.

Estudou em Berna, Praga, Leipzig, São Petersburgo (1870) e Viena (1879–80), onde foi aluno de Franz Krenn.

De 1881 até 1919 foi director do colégio de organistas em Berna. Dedicou-se desde cedo à crítica e à pesquisa de música folclórica, que empreendeu com Frantisek Bartos.

Entre 1884 e 1888, publicou o jornal Hudebni Listy. A sua primeira ópera, Šárka, era romântica, ao estilo de Wagner e Smetana.

Em 1896, visitou novamente a Rússia e as influências desta viagem são evidentes na sua ópera Káťa Kabanová ("Kátia Kabanová"), de 1921 e na rapsódia orquestral Taras Bulba, de 1924.

Janáček havia criado um estilo checo com sua ópera Její pastorkyňa ("Sua Enteada"), posteriormente chamada Jenůfa. A representação desta obra em 1916 estabeleceu finalmente a sua reputação de compositor. Entre as suas obras também figuram as óperas: Věc Makropulos ("O Caso Makropulos"), de 1926, Z mrtvého domu ("Da Casa dos Mortos"), de 1927 e a sátira Výlety pana Broučka ("As excursões do Sr. Brouček"), de 1920.

No campo da música sacra escreveu a Missa Glagolítica, com letra em eslavo eclesiástico.

Para ouvir:
http://www.youtube.com/watch?v=bWoAXYn9b2A

IBERT, JACQUES

Jacques Ibert (Paris, 15 de Agosto de 1890 - Paris, 5 de Fevereiro de 1962) foi um compositor francês da época contemporânea de música.

Fez os seus estudos no Conservatório de Paris, nos anos de 1910 a 1914. Depois da 1ª Grande Guerra, em 1919, ele recebeu o 1º Grande Prémio de Roma, pela obra Le Poète et la fée. Vem a ser director da Villa Médicis entre 1936 e 1940 e entre 1946 a 1960; e em 1955 ocupa o cargo de director da Agregação dos Teatros Líricos Nacionais. Em 1956 ocupa o cargo deixado vago por Guy Ropartz na Academia das Belas-Artes.

Ibert representa uma parte da tradição da arte francesa, espelhando elegância e humor na sua música, sem nunca esquecer o lado sério da sua composição.

Dentro do campo da música, apresentou o seu talento das mais diversas formas. Entre elas, contabilizam-se mais de 60 peças para cinema, músicas para teatro (algumas escritas em colaboração com Honegger), ballets, óperas entre outros.

 

Para ouvir:

http://www.youtube.com/watch?v=v6XmuTWJ3UU

Peças

Persée et Andromède (ópera - 1921)

Concerto pour violoncelle (1925)

Divertissement pour orchestre de chambre (1928-30)

Capriccio pour 10 instruments (1936-39)

4 Chansons de Don Quichotte pour basse et orchestre (1946-50)

Hommage a Mozart (1946-50)

Escales

HOLST, GUSTAVUS

Gustav Holst (Cheltenham, 21 de Setembro de 1874 — Londres, 25 de Maio de 1934) foi um compositor inglês, conhecido pela sua obra Os Planetas e por obras baseadas na literatura hindu e nas canções folclóricas inglesas. É o pai da compositora e directora de orquestra Imogen Holst.

Seu nome original Gustavus Theodor von Holst, era filho de Adolph, um pianista de remota origem sueca, e de Clara von Holst. Desde muito cedo respirou melodia e harmonia. O seu pai, Adolph, era um professor de música que dava mais atenção ao piano do que à família.

Apesar de ter sofrido com a anemia e com a visão fraca na infância, aos treze anos já havia lido o Tratado de Instrumentação de Berlioz. Aluno de Charles Villiers Stanford no Colégio Real de Música, onde viria a ser professor de composição (1919), conheceu Ralph Vaughan Williams (1895), de quem se tornou grande amigo.

De notável originalidade, a sua forte personalidade deixava transparecer um espírito curioso. Interessou-se muito pelas civilizações orientais e pela literatura védica(Vedismo é a denominação da mais antiga religião da Índia, que marcou a passagem do animismo e naturalismo primitivo para o Brahmanismo e o Hinduísmo). Participou na orquestra da Ópera Carl Rosa, como primeiro trombone e na Ópera Escocesa e depois, foi organista da Ópera Real de Londres. Dedicou-se quase que integralmente ao ensino e pouco para a composição.

A influência mística na sua obra alcança o ponto culminante na composição coral The hymn of Jesus (1920), em que utilizou textos apócrifos do Novo Testamento. Mais tarde, começou a mostrar interesse pela produção folclórica de seu país, como mostra em sua ópera At the board’s head (1924).

Durante a década de 1920, a sua música foi mais austera e incluiu o emprego da bitonalidade em obras como o Concerto para dois violinos (1929). Nos seus últimos anos, voltou ao lirismo com Hammersmith (1931).

 

Para ouvir:

http://www.youtube.com/watch?v=OdlT5xOMFeE

Principais obras

The Mystic Trumpeter

Two Songs Without Words Op.22
A Somerset Rhapsody 
Savitri ópera
Primeira Suíte em Eb para Banda Militar
Beni Mora (Oriental Suite) Op.29 No.1
Two Eastern Pictures 
Psalm 86 H.117 No.2 (Psalmo 86)
Choral Hymns from the Rig Veda
Segunda Suíte em F para Banda Militar
Two Eastern Pictures (for women's voices and harp) (H.112)
St Paul's Suite Op.29 No.2 (Finale é um outro arranjo do 4° movimento na Segunda Suíte)
Hymn to Dionysus Op.31 No.2(H.116)
The Planets Suite Op. 32
The Hymn of Jesus
Ode to Death
Short Festival Te Deum (H.145)
The Perfect Fool Op.39 ballet
Fugal Concerto for Flute, Oboe & String Orchestra
At the Boar's Head
Egdon Heath
A Moorside Suite
Double Concerto Op.49
The Wandering Scholar ópera
Hammersmith: Prelude and Scherzo
Lyric Movement
Brook Green Suite (H.190)

HINDEMITH, PAUL

Paul Hindemith (Hanau, Hesse, 16 de Novembro de 1895 – Frankfurt am Main, 28 de Dezembro de 1963), foi um compositor, violista, maestro e professor alemão.

Depois de já ter aprendido viola em criança, Hindemith estudou com Arnold Mendelssohn e Bernhard Sekles no Hochsche Konservatorium em Frankfurt am Main.

Em 1922, algumas das suas peças foram ouvidas no festival International Society for Contemporary Music em Salzburgo, o que o fez conquistar a atenção dos públicos internacionais. Posteriormente colaborou com vários compositores avant garde, incluindo Anton Webern e Arnold Schoenberg, tendo feito várias digressões, tocando viola como solista, pelos Estados Unidos da América no final da década de 1930.

Apesar dos protestos do maestro Wilhelm Furtwängler, a sua música foi definida como "degenerada" pelos nazis e em 1940 emigrou para os EUA, onde leccionou na Universidade de Yale, tendo alunos como Lukas Foss, Norman Dello Joio, Harold Shapero, and Ruth Schonthal. Adquiriu a cidadania norte-americana em 1946, mas tornou à Europa em 1953, vivendo em Zurique e leccionando na universidade local.

No final da sua vida começou a dirigir mais. Ganhou o Prémio Balzan em 1962 tendo falecido no ano seguinte de pancreatite aguda.

Óperas e Fase de Obras

Hindemith encontrou-se em conflito aberto com o governo nacional-socialista da Alemanha, em 1934, com a ópera Mathis der Maler, a proibição de que provocou a demissão do maestro Furtwängler de suas posições oficiais. A dança-lenda  Nobilissima visione, baseada na vida de São Francisco de Assis apresentada pela primeira vez em Londres, em 1938, é mais conhecida pelos ocasionais trechos instrumentais, embora haja uma série de concertos desse trabalho.

Música Orquestral

Além da Mathis der Maler Symphony, o Symphonic Metamorphoses sobre temas de Carl Maria von Weber está no repertório geral. Hindemith escreveu concertos para diversos instrumentos solo. Destes concertos para o seu próprio instrumento, a viola, são notáveis, em especial a atraente Der Schwanendreher (The Swan-Drover), baseado em canções folclóricas, e Kammermusik No. 5, também um concerto de viola.

Música de Câmara

O repertório sonata previsto para tuba, contrabaixo, trompa, harpa, trompete, viola d'amore, cor anglais e outros instrumentos, é de interesse, como são as três sonatas para órgão.


Música para Piano
Além de suas três sonatas para piano e sonatas para dois pianos e para dueto de piano, Ludus Tonalis é o trabalho mais ambicioso para piano, um conjunto de fugas e interlúdios através das teclas, na forma de JS Bach, precedido por uma introdução que é invertida em conclusão.

Para ouvir
http://www.youtube.com/watch?v=Sk_wv5gYLB4

HÉROLD, LOUIS

Louis Joseph Ferdinand Hérold mais conhecido como Fernando Hérold (Paris, 28 de janeiro de 1791-Thernes, 19 de janeiro de 1833) foi um compositor francês de origem alsaciana operático que também escreveu muitas peças para piano, orquestra e balé. Ele é mais conhecido hoje pelo o ballet La Fille Mal Gardée e pela abertura para a ópera Zampa.

L.J.F. Hérold era o único filho de François-Joseph Hérold, um pianista e compositor e de Jeanne-Gabrielle Pascal e neto de Nicolas Hérold, um organista. Aos seis anos de idade, freqüentou o Instituto Hix e destacou-se nos seus estudos. Enquanto isso, também estudou teoria musical com François-Joseph Fétis (que mais tarde editou o periódico La Revue Musicale). Com a idade de sete anos, tocou piano e compôs algumas peças para piano. Herold pai não tinha a intenção de fazé-lo seguir a carreira musical, mas após a morte de seu pai em 1802, ele pôde finalmente perseguir esse caminho. Matriculou-se no Conservatório em 1806 e foi ensinado em piano por Luís Adão (pai do compositor Adolphe Adam). Também foi instruído por Charles Simon Catel (em harmonia), Rodolphe Kreutzer (no violino), e Étienne Méhul (na composição). Hérold durante esses tempos no Conservatório tornou-se um virtuoso no piano e violino.

Em 1810 ganhou o primeiro prémio num concurso de piano com uma de suas próprias composições. Um dos juízes disse: "Esta peça está cheia de falhas, mas vejo grandes coisas para ele no futuro. Ele avançou tanto nos seus estudos que em 1812 ganhou o Prémio de Roma. Em Roma, durante a primavera de 1813, compôs sua primeira sinfonia, o que todos os vencedores do Prêmio de Roma eram obrigados a fazer a fim de mostrar a sua progressão nos estudos.

Em 1815 mudou-se de Roma para Nápoles, por motivos de saúde. Lá compôs várias peças, incluindo a sua segunda sinfonia e três quartetos de cordas. A sua primeira ópera, La Gioventù Enrico di Quinto, foi apresentada em San Carlo (sob o pseudônimo LANDRIANI), e que foi recebida favoravelmente por parte do público (que não era particularmente favorável aos compositores franceses). Tmbém foi pago com 5.000 liras para ensinar as filhas de Joachim Murat. Depois que o rei foi executado, Herold foi forçado a deixar a Itália e foi para a Áustria, onde permaneceu em Viena, durante dois meses sob a protecção do príncipe Metternich. Voltou a Paris através de Munique e da Suíça.

Em 1816, colaborou com Hérold François Adrien Boieldieu na ópera Charles de França. No mesmo ano ele compôs com sucesso a ópera Les Rosières que ele dedicou a seu amigo e ex-professor Méhul. Em 1817 a sua ópera La Clochette estreou e foi um grande sucesso. Depois de lutar para encontrar um libreto, ele compôs a música para Premier Venu. No entanto, isso não teve as qualidades suficientes para ser uma ópera e teve pouco sucesso. Les Troqueurs (1819) também falhou. O desejo de Herold em compor levou-o a escolher qualquer um libreto e muitos libretistas não confiavam no seu trabalho. Portanto, as suas próximas óperas (L' "amour platonique" e L'Auteur et mort vivant) foram fracassos. Isto desanimou Hérold, então não produziu qualquer ópera durante três anos.

Em 1821 tornou-se assistente no Théâtre-Italien, e viajou para a Itália para recrutar cantores. Esta tarefa renovou a sua inspiração e sua saúde. Em 1823 ele retornou ao palco com o sucesso Le Muletier. A sua ópera seguinte, Lasthénie, foi um sucesso moderado. Hérold colaborou com Daniel Auber em Vendôme en Espagne (1823), que aproveitou a tendência da atmosfera espanhola. Em 1824, a Opéra Comique encomendou-o a escrever Le Roi René. No mesmo ano, tornou-se acompanhador no Théâtre Italien, e dois anos mais tarde tornou-chorus-master.

Em 1825, ele escreveu Le Lapin Blanc, que falhou; Hérold não foi inspirado pelo seu libreto para compor uma boa música. Sua ópera próxima Marie (1826) foi um grande sucesso, mas suas funções no Théâtre Italien dificultaram a sua liberdade para explorar isso e ainda mais o seu talento, e nos três anos seguintes limitou-se a escrever música para balé. Em 1827, ele tornou-se o chefe substituto na Ópera de Paris. Em 3 de novembro de 1828 foi condecorado com a Legião de Honra. A sua próxima ópera L'Illusion (1829) foi bem-sucedida, enquanto que Emmeline (1830) não o foi.

Em 3 de maio de 1831, uma das suas óperas mais famosas, Zampa, estreou. Esta ópera teve muito sucesso na França e na Alemanha, onde ainda é ocasionalmente encenada hoje. Ele seguiu o seu sucesso com Zampa, com contribuições de La Marquise de Brinvilliers, e o esforço colaborativo de muitos compositores, incluindo François-Adrien Boïeldieu e Daniel Auber. Ele escreveu La Médecine sans médecin em 1832 e Le Pré aux Clercs mais tarde, no mesmo ano, e que é outra das obras mais famosas Herold. Le Pré aux Clercs teve a sua milésima apresentação em Paris em 1871. Um mês após sua estréia, Herold morreu de tuberculose da qual ele sofria há muito tempo. A ópera Ludovic, que não tinha sido concluída, foi terminada por Fromental Halévy. Hérold foi enterrado no cemitério de Père Lachaise, em Paris. O nº 10 da rua Hérold foi o seu berço. A rua foi assim chamada em sua homenagem, em 1881. Ele também foi antecessor de Don Herold e Doris Herold Lund, dois autores norte-americanos.

Para ouvir
http://www.youtube.com/watch?v=NbaY5hHVhrM

HENZE, HANS WERNER

Hans Werner Henze (Gütersloh, 1º de julho de 1926) é um compositor alemão residente na Itália, conhecido por suas opiniões políticas marxistas que influenciam na sua obra.
Trocou a Alemanha pela Itália em 1953, em razão da intolerância as suas posições políticas e a sua homossexualidade.
Membro do antigo Partido Comunista Italiano, Henze produziu composições em homenagem a Ho Chi Min e a Che Guevara - o requiem intitulado Das Floss der Medusa (A balsa da Medusa), cuja estréia foi vetada em Hamburgo, em 1968.
Henze compõe em vários estilos, tendo sido influenciado pela música atonal, Stravinsky, pela técnica dodecafônica, pelo estruturalismo e por alguns elementos da música popular, do rock e do jazz.
Henze ainda vive na Itália, na vila de Marino, no Lácio.

Para ouvir:
http://www.youtube.com/watch?v=itKj0daFWko

OBRAS:

Óperas
Das Wundertheater (1948)
Boulevard Solitude (1951)
König Hirsch (1952–1955)
Der Prinz von Homburg (1958)
Elegie für junge Liebende (1959–1961)
Der junge Lord (1964)
Die Bassariden (1965)
We come to the river (1974–1976)
Pollicino (1980, ópera para crianças)
Die englische Katze (1980–1983)
Robert, der Teufel (1985, ópera para crianças)
Das verratene Meer (1990)
Der Prinz von Hamburg (1991)
Venus und Adonis (1997)
L'Upupa (2003)
Phaedra (2006-2007)

Balés
Ballett-Variationen (1949)
Labyrinth (1951)
Maratona (1956)
Undine (1956–1957)
Orpheus (1978)
Le fils de l'air (1997)

Sinfonias
Sinfonia n. 1 (1947, revista em 1963 e 1991)
Sinfonia n. 2 (1949)
Sinfonia n. 3 (1949-1950)
Sinfonia n. 4 (1955)
Vokalsinfonie (1955, extrato da opera "König Hirsch")
Sinfonia n. 5 (1962)
Sinfonia n. 6 para duas orquestrasde câmara (1969, revista em 1994)
Sinfonia n. 7 (1983-1984)
Sinfonia n. 8 do Sonho de uma noite de verão de William Shakespeare (1992-1993)
Sinfonia n. 9 para coro e orquestra, baseada em um conto de Anna Seghers (1995-1997)
Sinfonia n. 10 (1997-2000)

Outras obras sinfónicas
Kammerkonzert para piano, flauta e orquestra de cordas (1946)
Concertino para piano, instrumentos de sopro e percussão (1947)
Concerto n. 1 para violino e orquestra (1947)
Concerto n. 1 per piano e orquestra (1950)
Ode an den Westwind para violoncelo e orquestra (1953)
Concerto para contrabaixo e orquestra (1966)
Doppelkonzert para oboé, harpa e orquestra de cordas (1966)
Concerto n. 2 para piano e orquestra (1967)
Das Floss der Medusa, oratório "em memória de Che Guevara" para solistas, recitante, coro e orchestra (1968)
Compases para preguntas ensimismadas para viola e 22 instrumentos (1969–1970)
Tristan para pianoforte, orquestra e fita magnética (1972–1973)
Amicitia ("Nachtkonzert") para piano, cordas e percussão (1977)
Liebeslieder para violoncelo e orquestra (1984–1985)
Requiem, "Geistliche Konzerte" para piano, trompete e orchestra (1990–1992)
Introduktion, Thema und Variationen para violoncelo, harpa e cordas (1992)
Concerto n. 3 per violino e orchestra "Drei Porträts aus Thomas Manns Doktor Faustus" (1996)
An Eine Aolsharfe, concerto para violão e orquestra (1990)

HAYDN, JOHANN MICHAEL

Johann Michael Haydn nasceu em 1737 na cidade austríaca de Rohrau e faleceu em Salzburgo com a idade de 68 anos. Com o seu irmão cantavam no coro de São Estêvão em Viena. Pouco depois de sair do coro-escola, foi nomeado mestre-de-capela em Grosswardein, e em 1762, em Salzburgo, onde fez amizade com Leopold Mozart e depois com o filho deste, Wolfgang Amadeus Mozart. Era amigo íntimo de Mozart, que tinha em grande consideração a sua obra, e foi professor de Carl Maria von Weber e Anton Diabelli.

As obras corais sacras de Haydn consideram-se geralmente como as suas obras mais importantes, nas quais se inclui a Missa Hispânica (que fez para o seu diploma em Estocolmo), uma missa em ré menor, um Lauda Sion, um requiem para o arcebispo Sigmundo em dó menor (que serviria posteriormente de inspiração ao requiem de Mozart), e uma colecção de graduais, 42 dos quais foram reimpressos no Ecciesiaslicon de Anton Diabelli. Também foi um prolífico compositor de música profana, incluindo quarenta sinfonias, vários concertos e música de câmara, como um quinteto de cordas em dó maior que foi atribuído por engano a seu irmão Joseph.

Michael Haydn foi vítima de outro caso de póstuma identidade confundida: durante muitos anos, a obra que hoje conhecemos como a sua sinfonia nº 26 foi considerada como a sinfonia nº 37 K.444 de Mozart. A confusão gerou-se porque se descobriu um autógrafo que tinha o movimento inicial da sinfonia feito pela mão de Mozart, e o resto na de outro movimento. Hoje considera-se que Mozart tinha composto um novo movimento lento para o início da sinfonia por razões ainda desconhecidas, mas sabe-se que o resto da obra é de Michael Haydn. A obra, que foi amplamente executada como sinfonia de Mozart, foi tocada consideravelmente menos desde esta descoberta em 1907.

Algumas das obras de Michael Haydn são referidas pelos números Perger, do catálogo temático das suas obras compilado por Lothar Perger em 1907.

Para ouvir:
http://www.youtube.com/watch?v=yDZG0Rqu6o4

HAYDN, FRANZ

Franz Joseph Haydn (Rohrau, Áustria, 31 de março de 1732 — Viena, 31 de maio de 1809) foi um dos mais importantes compositores do período clássico. personifica o chamado "classicismo vienense" ao lado de Wolfgang Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven. A posteridade apelidou este grupo como "Trindade Vienense". Para além disso é considerado como um dos autores mais importantes e influentes da história da música erudita ocidental com uma carreira que cobriu desde o fim do Barroco aos inícios do Romantismo. Ele é à vez a ponte e o motor que permitiram a que esta evolução sucedesse.
Era irmão do igualmente compositor Michael Haydn, colega de Mozart em Salzburgo) e do tenor Johann Evangelist Haydn, que mais tarde Joseph fará vir para Ezsterhaza em 1763. Tendo vivido a maior parte da sua vida na Áustria, Haydn passou a maior parte de sua carreira como músico de corte para a rica família dos Esterházy. Isolado de outros compositores, foi, segundo ele próprio, “forçado a ser original”. O seu génio foi amplamente reconhecido durante a sua vida.

Haydn nasceu no seio de uma família modesta em 1732, na vila de Rohrau, próxima à fronteira com a Hungria, filho de Matthias Haydn e Maria Koller. Ninguém da família de Haydn estava ligado à música, apesar de Matthias Haydn ser um entusiasta da música folclórica e tocar harpa de ouvido. De acordo com os apontamentos autobiográficos de Haydn, a sua infância foi bastante impregnada de musicalidade dando como exemplo os frequentes serões de canto com seus vizinhos. Os pais de Haydn, cedo perceberam que seu filho tinha dotes musicais e compreenderam que ficando em Rohrau, Joseph não teria hipótese de obter qualquer aperfeiçoamento musical sério. Por esta razão, aceitaram a proposta de um dos seus parentes, Johann Matthias Franck, mestre de capela em Hainburg, com o qual Haydn passaria a viver e a ter aulas de música. Haydn partiu com Franck e nunca mais voltou a viver com os seus pais. Haydn tinha então apenas seis anos de idade.
A vida na casa de Franck não foi fácil para Haydn, onde se recordou de ter passado fome e humilhações. Contudo, aí aprendeu a tocar cravo e violino. Haydn, tendo uma bela voz infantil, iniciou-se também a cantar na secção de soprano no coral da igreja. Em 1740, Georg von Reutter, director de música na catedral de Santo Estêvão, em Viena, impressionou-se com a musicalidade de Haydn. Reutter nesse tempo viajava pela Áustria procurando pequenos cantores talentosos. Descoberto desta forma, Joseph Haydn foi enviado a Viena, onde trabalhou durante os nove anos seguintes como cantor, os últimos quatro já na companhia de seu irmão mais novo Michael.

Em 1749, Haydn, com 18 anos, deixou de ter voz para cantar e foi expulso. Desta forma, sem trabalho e na pobreza, chegando mesmo a dormir na rua, foi lançado na boémia vienense como músico ambulante. Durante este período, que durou cerca de dez anos, Haydn acabou por introduzir-se nos meios intelectuais e desenvolveu várias actividades, entre as quais, a partir de 1753, a de secretário do então famoso compositor italiano Nicola Porpora, com quem acabou por aprender os fundamentos da composição. A sua formação é porém devida a si próprio a partir do estudo voluntário do tratado de contraponto Gradus ad Parnassum do então compositor da corte, Fux (1660-1741). Outra grande influência foi Carl Philipp Emannuel Bach, o segundo filho de johann Sebastian Bach. É a partir de 1750, com os novos conhecimentos que foi obtendo deu-lhe o ensejo de escrever missas e a sua primeira ópera (hoje perdida) Der Krumme Teufel. Em 1757, o barão von Fürnberg convida-o a participar nos serões de música de câmara em Weinzerl, nas próximidades de Melk. Aí Haydn compõe os primeiros divertimentos e outras peças para cordas que de um só golpe estabelecem a sua reputação e o sucesso de um novo tipo de formação musical; o quarteto de cordas.

Em 1759 (1757, de acordo com alguns), Haydn recebeu seu primeiro cargo importante, como mestre de capela (Kapellmeister), para o conde Karl von Morzin. Neste cargo, Haydn dirigiu a orquestra de câmara do conde e escreveu suas primeiras sinfonias para esta formação apenas então com 16 músicos. Para além destas actividades torna-se professor de música. É por esta altura que se apaixona por uma das suas alunas, Theresa Keller, e propõe-lhe casamento. Porém Theresa está destinada ao convento. Haydn acaba por casar com a irmã mais velha, Maria Anna Keller. Casados a 26 de Novembro de 1760, o casal nunca teve filhos. Mais tarde teria uma amante Luigia Polzelli, cantora em Ezsterhàza.
O conde Morzin, posteriormente, sofreu problemas financeiros que o forçaram a dissolver seu estabelecimento musical e a dispensar o compositor, mas Haydn conseguiu imediatamente outro trabalho, agora como mestre de capela assistente para a família dos príncipes de Eszterházy, uma importante família da nobreza húngara e uma das famílias mais ricas e importantes do Império Austríaco. O contrato de 1761 demonstra as condições humilhantes que estariam reservados então a um músico de corte. Vestia o uniforme dos criados e a exclusividade de toda a sua criação era destinada ao seu patrão. Porém, apesar da dureza do contrato, Haydn nunca foi tratado como um criado. Grande melómano, o príncipe Paul II Ezsterházy (1711-1762), cedo reconheceu o génio do seu subalterno e não impediria a divulgação exterior do seu trabalho a editores e ao público em geral. É porém após a morte deste último e ao lado do seu irmão, Nikolaus I Ezsterházy, apelidado à medida de Lorenzo di Medici, "o magnifico" que se desenvolverá a obra de Haydn. Grande mecenas e fanático musical, concede a Haydn todas as condições necessárias a que este desenvolva livremente o seu génio. Quando o mestre de capela incumbente Gregor Werner morreu em 1766, Haydn passou a ser o titular do cargo. Servirá esta família por mais de 30 anos.
Haydn seguiu a família em todas as suas deslocações: viveram no Palácio Eszterháza em Eisenstadt, o seu palácio de inverno a cerca de 50 km. de Viena, e no Palácio Eszterháza em Fertöd, o grande palácio da família, na Hungria. Como kappelmeister, a Haydn eram confiadas uma grande quantidade de responsabilidades, incluindo a composição, a regência da orquestra, a execução de música de câmara com e para os seus patrões, e desenvolvendo mesmo algumas produções de ópera italiana, dramas heróicos como Armida ou dramas cómicos como La Vera Constanza para o pequeno teatro do palácio. Tendo acesso livre à orquestra privada do príncipe e regendo-a, Haydn escreveu e interpretou mais de 100 sinfonias, experimentando como ninguém o fizera neste domínio. Poucos compositores no mundo teriam, nesse tempo, as condições que haydn teve para a experimentação musical. Apesar do isolamento mundano que sofria, a partir de Ezsterhàza, a fama das suas novas formas musicais ultrapassava já as fronteiras do império austríaco até se ter tornado um dos compositores mais festejados da Europa. Haydn, sob autorização do príncipe começa a viajar. Em 1770 pode já dirigir as suas próprias obras em Viena. Em breve viajará a Paris a convite da austríaca Maria Antonieta. Desta época datam os tremendos sucessos das Sinfonias de Paris, tocadas perante a corte francesa e a versão orquestral das Sete Últimas Palavras de Cristo.
Por volta de 1781 em Viena, Haydn conheceu e estabeleceu uma sólida amizade com Wolfgang Amadeus Mozart. Desta grande e profunda amizade sem outro paralelo na história da música e apesar das diferenças de idade (Haydn era 24 anos mais velho) nasceram influências recíprocas. Impressionou-se vivamente com o trabalho de Mozart e considerava-o superior em génio. escrevendo ao pai do amigo, Leopold Mozart, afirmou: "digo-o perante Deus e como um homem honesto, que vosso filho é o maior compositor que eu conheço em pessoa ou em nome, porque tem o gosto e a maior das ciências da composição". Por volta dessa época, Haydn parou de compor óperas e concertos – precisamente os dois géneros em que Mozart mais se destacou. Wolfgang, em contrapartida, considerava o mais velho um mestre e venerava-o como modelo. Chamava-lhe "Papá","guia" e "melhor amigo". Dedicou seis quartetos a Haydn. Mozart, membro activo da maçonaria levou Haydn a aderir, o que sucedeu em 1785, apesar da fé católica deste último. Depois seria o fim. Nas véspera da viagem de Haydn a Londres, da qual Mozart o tentou demover por motivos de saúde, os dois amigos despediram-se pressentindo a última vez. Haydn tinha então quase sessenta anos. Mas o destino foi diverso; Haydn não poderia imaginar que a morte levaria Mozart no inverno de 1791.

Em 1790, o príncipe Nicolau Eszterházy morre e o seu sucessor não seria um apreciador de música. Dissolve por isso toda a estrutura musical da família, ficando a pagar a Haydn uma pensão. Assim, livre das obrigações e sem problemas financeiros, Haydn pôde aceitar uma lucrativa oferta do empresário alemão Johann Peter Salomon, para visitar a Inglaterra e conduzir aí as suas novas sinfonias com uma grande orquestra. Estas, as suas últimas 14 sinfonias, dentre elas a Sinfonia n.º 100 em sol maior, ficarão para a posteridade como as Sinfonias de Londres e são consideradas como um atingir da maturidade da sinfonia clássica. Foi um triunfo apoteótico. Haydn foi convidado a ficar em Londres tal como tinha sucedido anteriormente com Georg Handel. Recusou porém e retornou à Áustria.

Haydn retorna a Viena onde construiu uma casa e voltou-se para a composição de grandes obras religiosas para coro e orquestra. Entre estas últimas contam-se os últimos nove quartetos, os oratórios A Criação, As Estações o Te Deum e seis missas dedicadas à família Eszterházy, cujo actual príncipe era novamente um melómano à imagem de Nicolau e competiu para a reaproximação. Estas obras marcam o ponto máximo da obra musical de Haydn.
A partir de 1802, Haydn já começa a dar sinais de debilidade física e fica impossibilitado de compor, o que foi especialmente duro para si, visto que não lhe paravam de surgir novas ideias musicais. Haydn foi acarinhado nestes anos pelo seu pessoal doméstico e recebeu muitos visitantes e honras públicas, mas tal não lhe terá diminuído a tristeza derivada da inactividade.
Haydn faleceu em casa no ano de 1809, aos 77 anos, durante um violento bombardeamento nas vésperas da tomada de Viena pelo exército de Napoleão Bonaparte.

Haydn é considerado o pai da sinfonia clássica e do quarteto de cordas, além de ter escrito muitas sonatas para piano, trios, divertimentos e missas, que se tornou a base do estilo clássico de composição de música erudita. Além disso, escreveu também algumas músicas de câmara, óperas e concertos, que hoje não são tão conhecidos. Haydn foi o maior influenciador do estilo da época. O desenvolvimento da forma-sonata de um esquema rígido em uma maneira subtil e flexível de expressão musical, que se tornou dominante no pensamento musical clássico, é devido quase que completamente a Haydn. Ele também criou a forma sonata, a forma de variação dupla, e foi também o primeiro a integrar a fuga e outros modelos contrapontísticos à forma clássica.

Para ouvir:
http://www.youtube.com/watch?v=jy9NE5wOVZ4