ZIMMERMANN, BERND ALOIS

Bernd Alois Zimmermann (20 de março de 1918 - 10 de agosto de 1970; nome completo Bernhard Alois Zimmermann) foi um compositor pós-guerra da Alemanha Ocidental. Ele é talvez mais conhecido pela sua ópera Die Soldaten que é considerada como uma das óperas mais importantes do século XX. Como resultado do seu estilo individual, é difícil rotular a música como avant-garde, série ou pós-moderna. A sua música emprega uma grande variedade de métodos, incluindo a linha dodecafônica e a citação musical.

Zimmermann nasceu em Bliesheim (agora parte da Erftstadt) perto de Colónia. Cresceu numa comunidade rural Católica na Alemanha ocidental. O seu pai trabalhou para a Reichsbahn alemã (Imperial Ferroviária) e também foi agricultor. Em 1929, Zimmermann começou a frequentar uma escola privada católica, onde teve o seu primeiro contato real com a música. Após os nacional-socialistas (ou nazis) fecharem todas as escolas privadas, ele mudou para uma escola pública católica em Colónia, onde, em 1937, recebeu seu Abitur, o equivalente alemão de um diploma do ensino médio.

No mesmo ano, cumpriu o seu dever de Reichsarbeitsdienst e passou o semestre de inverno 1937/1938 estudando pedagogia na Hochschule für Lehrerausbildung (lit. Universidade de Formação de Professores), em Bonn.

Começou a estudar Educação Musical, Musicologia e Composição no inverno de 1938 na Universidade de Música de Colónia. Em 1940, foi convocado na Wehrmacht (exército alemão), mas foi liberado em 1942 devido a uma doença de pele grave. Depois de ter voltado a estudar, não recebeu qualquer grau até 1947 devido ao fim da guerra. No entanto, já estava ocupado como compositor (free-lancer), em 1946, com predominância para a rádio. De 1948 a 1950, foi um dos participantes no Kranichsteiner / Darmstädter Ferienkursen für Neue Musik, onde estudou com René Leibowitz e Fortner Wolfgang, entre outros.

Em 1957, recebeu uma bolsa para passar um tempo na Academia Alemã Villa Massimo, em Roma. Também assumiu o cargo de Professor de Composição (de Frank Martin), bem como de Cinema e Televisão, Música na Universidade de Música de Colónia. Na década de 60, recebeu mais atenção e sucesso como compositor (incluindo uma bolsa de estudos para o segundo Massimo Villa em 1963 e uma bolsa de estudo na Academia de Artes de Berlim), especialmente após a sua ópera Die Soldaten (The Soldiers) que finalmente estreou em 1965 . A ópera não tinha sido realizada, devido ao enorme número de pessoas necessárias e musical dificuldade, a Ópera de Colónia tinha considerado unspielbar "(não performable). Ele estava morando em Grosskönigsdorf perto de Colônia. No entanto, a sua tendência depressiva aumentou para um nível mais físico, agravado por um problema de olho que se ia deteriorando rapidamente. Em 10 de agosto de 1970 Zimmermann cometeu suicídio, apenas cinco dias depois de completar a contagem para Ich UM wandte mich sah und alles das geschah Unrecht unter der Sonne. Na época, ele estava preparando uma outra ópera, Medeia.

No seu próprio crescimento composicional, ele tomou o seu lugar na evolução da música nova, a partir do qual os compositores alemães foram separados na maior parte durante o regime nazi. Começou a escrever obras no estilo neoclássico, continuou com atonalismo livre e música dodecafônica e finalmente chegamos ao serialismo (em 1956). A sua afeição por jazz às vezes pode ser ouvido em algumas de suas composições (mais no seu Concerto para Violino e Concerto Trompete).

Em contraste com a chamada Escola de Darmstadt (Stockhausen, Boulez, Nono, etc), Zimmermann não fez uma ruptura radical com a tradição. No final da década de 1950, ele desenvolveu o seu estilo próprio de composição, o plural "Klangkomposition" (palavra alemã que significa o estilo de composição que incide sobre os planos (ou áreas) de som e tonalidade de cores). A combinação e sobreposição de camadas de material musical de vários períodos de tempo (de Medieval ao Barroco e Clássico ao Jazz e música Pop), utilizando técnicas avançadas de musical é característico do Klangkomposition. O uso de Zimmermann desta técnica vão desde a incorporação de citações musicais individuais (visto tanto no seu trabalho orquestral Photoptosis) em pedaços que são inteiramente construídos como uma colagem (o ballet Musique pour les soupers du Roi Ubu). Nas suas obras vocais, especialmente o seu Requiem, o texto é usado para o progresso da obra através da sobreposição de textos de diversas fontes. Ele criou a sua própria postura musical usando a metáfora "a forma esférica do tempo".

OBRA

Extemporale for piano (1946)

Capriccio for Piano
Lob der Torheit (burlesque cantata by Johann Wolfgang von Goethe), for solo, choir and large orchestra (1947)
Enchidrion I for piano (1949)
Märchensuite for orchestra (1950)
Alagoana (Caprichos Brasileiros) Ballet Suite (1950)
Rheinische Kirmestänze (1950, rearranged in 1962 for 13 wind instruments)
Concert for Violin and orchestra (1950)
Sonata for solo violin (1951)
Symphony in one movement (1951, revised 1953)
Enchidrion II for piano (1951)
Concerto for oboe and chamber orchestra (1952)
Des Menschen Unterhaltsprozeß gegen Gott (lit. The People's Way of Living Contrary to God) Radio opera in three acts with text from Pedro Calderón de la Barca and adapted by Matthias Bungart.
Nobody knows the trouble I see Concert for trumpet and chamber orchestra (1954)
Sonata for Viola solo (1955)
Konfigurationen (Configurations) for piano (1956)
Perspektiven — Musik für ein imaginäres Ballet (Perspectives — Music for an imaginary ballet.) for 2 pianos (1956)
"Die fromme Helene" after Wilhelm Busch sounded as a "Rondo popolare" for narrator and *instrumental ensemble (1957)
Canto di speranza Cantata for cello and small orchestra (1957)
Omnia tempus habent Cantata for soprano and 17 instruments (1957)
Impromptu for orchestra (1958)
Dialoge Concerto for two pianos and orchestra (1960)
Re-written with the title Monologue for two pianos (1964)
Sonata for solo cello (1960)
Présence, ballet blanc for piano trio and narrator (with words from Paul Pörtner) (1961)
Antiphonen for viola and 25 instrumentalists (1961)
Tempus Loquendi for solo flute (1963)
Musique pour les soupers du Roi Ubu (Ballet noir en sept parties et une entrée) Ballet after "Ubu Roi" by Alfred Jarry (1966)
Die Soldaten Opera in four acts, libretto by the composer after the drama of the same name by Jakob Michael Reinhold Lenz (1965)
Concerto for Cello and Orchestra en forme de pas de trois (1966), dedicated to Siegfried Palm
Tratto Electronic composition (1967)
Intercomunicazione for cello and piano (1967)
Die Befristeten for jazz quintet (1967)
Photoptosis Prelude for large orchestra (1968)
Requiem für einen jungen Dichter — Lingual for narrator, soprano, baritone, three choirs, electric tape, orchestra, jazz combo and organ (1969)
Vier kurze Studien for solo cello (1970)
Stille und Umkehr orchestra sketches (1970)
Tratto 2 Electronic composition (1970)
Ich wandte mich um und sah alles Unrecht das geschah unter der Sonne — Ekklesiastische Aktion for two narrators, bass and orchestra (1970)
Plus various compositions for radio, theater and film

Para ouvir

http://www.youtube.com/watch?v=XnBCc8RVuTI&feature=related

ZEMLINSKY, ALEXANDER

Alexander Zemlinsky, ou Alexander von Zemlinsky (14 de outubro de 1871 - 15 de março de 1942) foi um compositor austríaco, maestro e professor. 

Zemlinsky nasceu em Viena de uma família altamente multicultural. O avô de Zemlinsky, Anton Semlinski, imigrou do Žilina, Hungria (agora na Eslováquia) para a Áustria e casou-se com uma senhora austríaca.  Ambos eram de famílias católicas, e o pai de Alexandre, Adolf, foi criado como católico. A mãe de Alexander nasceu em Sarajevo, filha de pai judeu sefardita e mãe muçulmana da Bósnia. Toda a família de Alexandre foi convertida à religião de seu avô, o judaísmo, e Zemlinsky nasceu e cresceu judeu. Seu pai acrescentou um aristocrático "von" ao seu nome, embora nem ele nem os seus antepassados fossem nobres. Também começou a soletrar seu sobrenome com um "Z".

Alexandre estudou piano desde cedo. Ele tocou órgão na sua sinagoga de férias, e foi admitido no Conservatório de Viena em 1884. Estudou piano com Anton Door, ganhando um prémio da escola de piano em 1890. Continuou os seus estudos até 1892, estudando  "Teoria" com Robert Fuchs e "Composição" com Johann Nepomuk Fuchs e Anton Bruckner. Nesta época começou a escrever música.

Zemlinsky tinha um apoiante valioso, Johannes Brahms. Em 1893, a convite do professor de Zemlinsky, Johann Nepomuk Fuchs, Brahms assistiu a uma performance da Sinfónica de Zemlinsky em D menor. Logo depois, Brahms participou de uma performance de um dos quartetos de Zemlinky pelo Quarteto Hellmesberger. Brahms, impressionado com a música de Zemlinsky, recomendou o mais jovem compositor do ClarineteTrio (1896) para a empresa Simrock para publicação.

Zemlinsky também conheceu Arnold Schoenberg quando este se juntou  à Polyhymnia, uma orquestra em que tocava violoncelo e ajudou a fundar em 1895. Os dois tornaram-se amigos íntimos - e, mais tarde mútuos admiradores e cunhados quando Schoenberg casou com sua irmã Mathilde. Zemlinsky dava aulas a Schoenberg, em contraponto, tornando-se assim o único professor de música formal que Schoenberg teria.

Em 1897, a Sinfonia No. 2 de Zemlinsky (cronologicamente a terceira que ele tinha escrito e, por vezes contados como tal) era um sucesso quando estreou em Viena. A sua reputação como compositor foi auxiliada quando Gustav Mahler regeu a estreia de sua ópera Es war einmal... (Once Upon a Time) no Hofoper em 1900. Em 1899, Zemlinsky garantiu o posto de Kapellmeister Carltheater em Viena.

Em 1900, Zemlinsky conheceu e apaixonou-se por Alma Schindler, um dos alunos de composição. Ela retribuiu os seus sentimentos, inicialmente, no entanto, Alma sentia uma grande pressão da família e amigos íntimos para terminar o relacionamento. Eles estavam principalmente preocupados com a falta de Zemlinsky de uma reputação internacional e por uma aparência física desagradável. Ela rompeu o relacionamento com Zemlinsky e, posteriormente, casou-se com o compositor Gustav Mahler, em 1902. Zemlinsky casou-se com Ida Guttmann, em 1907, mas o casamento foi infeliz. Após a morte de Ida, em 1929, Zemlinsky casou-se com Luise Sachsel em 1930, uma mulher  jovem de vinte e nove anos, e para quem ele havia dado aulas de canto desde 1914. Este foi um relacionamento muito feliz, durou até a morte de Zemlinsky.

Em 1906, Zemlinsky foi nomeado Kapellmeister primeiro do novo Volksoper de Viena. E de 1907-1908 na Hofoper em Viena. De 1911 a 1927, ele foi o maestro na Deutsches Landestheater em Praga, na estreia de Erwartung de  Schoenberg, em 1924. Zemlinsky, em seguida, mudou-se para Berlim, onde ensinou e trabalhou com Otto Klemperer como maestro na Ópera Kroll. Com a ascensão do partido nazi, ele fugiu para Viena em 1933, onde não ocupou nenhum cargo oficial, concentrando-se em compor e fazer  aparição ocasional, como maestro convidado. Em 1938 mudou-se para os Estados Unidos e estabeleceu-se em New York City. Enquanto emigrado Schoenberg foi comemorado e festejado em Los Angeles na década de 1930 e 40 - ensinando na UCLA e USC e ganhando uma nova geração de acólitos - Zemlinsky foi negligenciado e quase desconhecido no seu país de adopção. Ficou doente, sofrendo uma série de derrames, e deixou de compor. Zemlinsky faleceu em Larchmont, New York, de pneumonia.

A obra mais conhecida de Zemlinsky é a Sinfonia Lírica (1923), uma  peça movimento-sete para soprano, barítono e orquestra, conjunto de poemas pelo poeta bengali Rabindranath Tagore (em tradução alemã), que Zemlinsky comparou numa carta ao seu editor com Das Lied von der Erde de Mahler  (embora a primeira parte da Gurrelieder de Schoenberg seja também uma influência clara). O trabalho, por sua vez influenciou a Suite Lírica de Alban Berg, Suite, que cita a partir dele e dedica a Zemlinsky.

Outras obras orquestrais incluem o poema sinfónico Die Seejungfrau (A Sereia). Esta obra, estreada em 1905 no mesmo concerto que Pelleas und Melisande de Schoenberg, foi considerado "perdido" até 1984, tornando-se, desde então, uma das obras de Zemlinsky mais freqüentemente realizadas. A Sinfonietta de três movimentos escrita em 1934, admirada por Schoenberg e Berg, é escrita num estilo comparável às obras contemporâneas de Paul Hindemith e Kurt Weill.

Outros trabalhos incluem oito óperas (incluindo Eine Florentinische Tragödie (1915-1916) e do semi-autobiográfico Der Zwerg (O Anão, 1919-1921), ambas após Oscar Wilde), música de câmara (incluindo quatro quartetos de cordas) e do ballet Der Triumph der Zeit (1901). Também compôs três salmos para coro e orquestra e ciclos de canções diversas, tanto com o piano e com orquestra, do qual o Sechs Gesänge op. 13,com textos de Maurice Maeterlinck, é o mais conhecido.

Enquanto a influência de Brahms é evocada nas primeiras obras de Zemlinsky (solicitando o incentivo de Brahms), uma voz original está presente desde os primeiros trabalhos, manipulando dissonâncias de uma forma muito mais livre do que Brahms. Trabalhos posteriores adotam o tipo de harmonias estendidas que Wagner tinha introduzido simultaneamente sob influência de Mahler. Em contraste com o seu amigo Schoenberg, ele nunca escreveu música atonal, e nunca utilizou a técnica dodecafônica.

Como maestro, Zemlinsky foi admirado por, entre outros, Kurt Weill e Stravinsky, e não apenas pelas suas interpretações notáveis de Mozart, mas também pela sua defesa de Mahler, Schoenberg e outras músicas mais contemporâneas. Como professor, os seus alunos incluíam Erich Wolfgang Korngold, Hans e Karl Krasa Weigl.

Para ouvir
http://www.youtube.com/watch?v=SSWqdflFIQ0

YSAÿE, EUGÈNE

Eugène Ysaÿe (16 de julho de 1858 - 12 de maio de 1931) foi um violinista belga, compositor e maestro. Ele foi considerado como "O Rei do" Violino, ou, como Nathan Milstein mencionou, "czar". O seu irmão era o pianista e compositor Théo Ysaÿe (1865-1918).

Eugène-Auguste Ysaÿe veio de uma família de camponeses, embora uma grande parte da sua família tocasse instrumentos. Como violinista Arnold Steinhardt descreve, uma lenda foi passada através da família Ysaÿe sobre o primeiro violino:

Foi dito de um menino a quem alguns madeireiros encontraram na floresta e trouxeram para a aldeia. O menino cresceu para se tornar um ferreiro. Certa vez, numa festa de aldeia, ele surpreendeu a todos ao tocar a viola de gamba lindamente. A partir de então os aldeões tiveram o prazer de dançar e cantar ao som de sua viola. Um dia, um ilustre desconhecido parou na frente da oficina para ferrar o seu cavalo. O servo do conde viu a viola e disse ao jovem ferreiro que tinha ouvido um novo instrumento italiano desempenhado por alguns trovadores da corte do conde. Esse instrumento, chamado de violino, era muito melhor do que a viola de gamba - o seu tom era como a voz humana e podia expressar todo o sentimento e paixão. A partir desse momento o jovem já não teve prazer com a sua viola. Dia e noite ele pensava naquele maravilhoso instrumento novo que pudesse expressar alegria e tristeza, e cujo tom ia directo ao coração humano. Então, ele teve um sonho: viu diante de si uma jovem de beleza indescritível, não muito diferente do seu amor, Bienthline. Ela veio até ele e beijou a sua testa. O rapaz acordou e olhou para a parede quebrada e a sua viola negligenciada e mal podia acreditar nos seus olhos: lá, ao invés de viola de gamba, estava um novo instrumento de belas proporções. Colocou-o contra seu ombro e conduziu o arco sobre as cordas, produzindo sons que eram realmente divinos. O violino cantou num tom reconfortante: alegrou-se e chorou de felicidade - e assim o fez o músico. Assim, conta a lenda, foi o primeiro violino para as Ardenas e para a família Ysaÿe.

Nascido em Liège, na Bélgica, Ysaÿe começou a estudar violino aos cinco anos com o pai. Ele viria a reconhecer o ensino de seu pai como o fundamento de tudo o que sabia sobre o seu instrumento, mesmo quando passou a estudar com mais senhores respeitáveis. Aos sete anos entrou para o Conservatório de Liège para estudar com Joseph Massart, porém, logo depois, foi convidado a deixar o conservatório, devido à falta de progresso. Isso se deveu ao facto de que o jovem  Eugène, a fim de sustentar sua família teve que tocar a tempo inteiro em duas orquestras locais, conduzidas por seu pai. Eugene passou a tocar nestes conjuntos, embora ele estudasse sozinho e aprendesse o repertório de violino. Quando tinha doze anos, estava tocando tão bem que um dia em que ele estava praticando num porão, o lendário Henri Vieuxtemps caminhava pela rua e ficou tão impressionado com o som do seu violino que ficou interessado no garoto. Arranjou para Ysaÿe ser re-admitido no conservatório estudando com o assistente de Vieuxtemps, chamado Henryk Wieniawski. Ysaÿe iria estudar mais tarde também com Vieuxtemps, e ambos "mestre e discípulo", como Ysaÿe chamaria aos papéis de professor e aluno, gostavam muito um do outro. Nos seus últimos anos, Vieuxtemps pediu a Ysaÿe para vir ao campo apenas para tocar para ele.

Estudar com estes professores significava que ele era parte da assim chamada escola franco-belga de tocar violino, que remonta ao desenvolvimento do arco do violino moderno, por François Tourte. As qualidades desta "Escola", incluía elegância, um tom pleno com um sentido de desenhar um "arco" longo sem empurrões, precisas técnicas de mão esquerda, e curvando-se com o antebraço todo, mantendo tanto o pulso do braço quieto (ao contrário da escola alemã de Joseph Joachim, de curvar o pulso e o conceito russo de Leopold Auer de usar todo o braço). 

Após a sua graduação no Conservatório de Liège, Ysaÿe foi primeiro violino da orquestra Benjamin Bilse, que mais tarde evoluiu para a Filarmónica de Berlim. Muitos músicos de destaque e influência vieram regularmente para ouvir esta orquestra e Ysaÿe em particular, entre os quais figurava Joseph Joachim, Franz Liszt, Clara Schumann, e Anton Rubinstein, que pediu que Ysaÿe fosse libertado do seu contrato para acompanhá-lo em turnê.

Quando Ysaÿe tinha vinte e sete anos de idade, foi recomendado como solista de um dos Concertos Colonne em Paris, que foi o início de seu grande sucesso como concertista. No ano seguinte, Ysaÿe recebeu um professor no Conservatório de Bruxelas na sua Bélgica natal. Isso começou a sua carreira como professor, que era de permanecer uma das suas principais ocupações depois de deixar o conservatório em 1898 e nos seus últimos anos. Entre seus alunos mais respeitados estão Josef Gingold, concertino da Orquestra de ex-Cleveland e Professor na Universidade de Indiana, o  virtuoso viola William Primrose, o virtuoso violino Nathan Milstein (que primeiramente estudou com Pyotr Stolyarsky), Louis Persinger, Alberto Bachmann, Mathieu Crickboom, Heykens Jonny, Houdret Charles, Jascha Brodsky, e Aldo Ferraresi.

Durante a sua posse como professor no Conservatório, continuou uma turnê a uma  ampla parte do mundo, incluindo toda a Europa, Rússia e Estados Unidos. Apesar das preocupações de saúde, particularmente em relação à condição das suas mãos, Ysaÿe estava no seu melhor desempenho, e muitos proeminentes compositores dedicaram-lhe as principais obras, incluindo Claude Debussy, Camille Saint-Saëns, César Franck, e Ernest Chausson.

Em 1886 fundou o Quarteto Ysaÿe, que estreou Quarteto de Cordas de Debussy.

Como os seus problemas físicos o incapacitavam cada vez mais, Ysaÿe voltou-se mais para o ensino, a realização precoce e um amor, a composição. Entre as suas obras mais famosas estão as seis Sonatas para Violino Solo op. 27, a Sonata para Violoncelo op. 28, a Sonata para Dois Violinos, oito Poèmes para vários instrumentos (um ou dois violinos, violino e violoncelo quarteto de cordas) e orquestra (Poème élégiaque, Poème de l'Extase, Chant d'hiver, nocturne Poème, entre outros), peças para orquestra de cordas, sem baixos (incluindo Poème de l'Exil), dois trios de cordas, um quinteto, e uma ópera, Peter Mineiro, escrita perto do fim da sua vida no dialeto da Valónia.

A Ysaÿe tinha sido oferecido o cargo de director musical da Filarmónica de Nova York em 1898, mas declinou devido à sua agenda. Em 1918, aceitou a posição do director de música com a Orquestra Sinfónica de Cincinnati, onde permaneceu até 1922 e com o qual fez várias gravações.

Finalmente, em 1931, sofrendo os estragos extremos de diabetes que exigiram a amputação do seu pé esquerdo, Eugène Ysaÿe morreu na sua casa, em Bruxelas, e foi enterrado no Cemitério de Ixelles, na mesma cidade. 

Ysaÿe era possuidor de um tom flexível e amplo, influenciado por uma considerável variedade de vibrato - a partir de qualquer vibrato em tudo muito intenso.

Embora Ysaÿe foi um grande intérprete dos compositores do Romantismo antigo e moderno - Max Bruch, Camille Saint-Saëns, e Cesar Franck, que disse que ele foi o seu maior intérprete - era admirado pelas suas interpretações de Bach e Beethoven. A sua técnica foi brilhante e muito bem afinada e, neste aspecto, ele é o primeiro violinista moderno, cuja técnica não tinha as deficiências de alguns artistas anteriores.

O Concurso Internacional de Violino em Bruxelas, foi criado em sua memória: em 1951, este tornou-se a secção de violino do Queen Elisabeth Music Competition. 

Ysaÿe foi casado duas vezes: primeiro com Louise Ysaÿe, e depois da sua morte em 1924, casou-se com uma aluna dele, Jeanette Dincin, 44 anos mais jovem. Ela era uma violinista que na sua adolescência estudou com os professores proeminentes, tais como Franz Kneisel, Leopold Auer e Sevcik Otakar. Ysaÿe conheceu-a em 1922 enquanto maestro da Orquestra de Cincinnati. Ela cuidou dele nos seus últimos anos de crise. O único pedido de Eugene foi que depois que ele morresse ela continuasse osseus desempenhos em seu nome.

Eugène Ysaÿe foi também um grande amigo da Rainha Elisabeth da Bélgica, a quem ele ensinou violino, apesar da sua falta de talento. A sua viúva assumiu o ensino real após a sua morte, e a rainha começou a competição em sua honra.

Para ouvir

http://www.youtube.com/watch?v=-d_v48ROsoY&feature=PlayList&p=A8A8CCF3BC0E5D91&playnext_from=PL&playnext=1&index=9

XENAKIS, IANNIS

Iannis Xenakis (29 de maio de 1922 - 4 de fevereiro de 2001) foi um grego, naturalizado francês, compositor, teórico musical e arquitecto. Ele é geralmente reconhecido como um dos mais importantes compositores de vanguarda do pós-guerra. Xenakis foi pioneiro na utilização de modelos matemáticos, tais como aplicações da teoria dos conjuntos, o uso variado de processos estocásticos, teoria dos jogos, etc. na música, e também foi uma influência importante no desenvolvimento da música eletrónica.

Entre as suas obras mais importantes estão Metastaseis (1953-4), para orquestra, que apresentou peças independentes para todos os músicos da orquestra, percussão, tais como obras Psappha (1975) e Plêiades (1979), composições que introduziu espacialização dispersando músicos entre o público, como Terretektorh (1966); obras eletrónicas criadas usando o sistema de UPIC Xenakis, e as performances multimídia maciça Xenakis chamado politopos. Entre os numerosos escritos teóricos de sua autoria, o livro Música Formalizada: Pensamento e Matemática em Composição (1971) é considerado como um dos seus mais importantes. Como arquiteto, Xenakis é principalmente conhecido pelo seu trabalho sob Le Corbusier: a Sainte Marie de La Tourette, em que os dois arquitectos colaboraram, e do Pavilhão Philips na Expo 58, que Xenakis concebeu isoladamente.

Xenakis nasceu em Braila, na Roménia. Era o filho mais velho de Klearchos Xenakis, um empresário grego, e Pavlou Fotini. Seus pais eram ambos interessados em música, e foi Fotini quem introduziu o jovem Xenakis na música. A sua morte precoce, quando o menino tinha apenas cinco anos de idade, foi uma experiência traumática que, nas suas próprias palavras, "profundamente marcou" o futuro compositor. Foi educado por uma série de governantas e, em seguida, em 1932 , enviado para um colégio interno na ilha do Mar Egeu, Spetsai, na Grécia. Cantou no coro da escola, onde o repertório inclui obras de Palestrina, e Requiem de Mozart, que Xenakis memorizou na sua totalidade. Foi também na escola de Spetsai que Xenakis estudou notação e solfejo, e ficou  encantado com a música tradicional grega e a música sacra.

de

Em 1938, após graduar-se da escola Spetsai, Xenakis mudou-se para Atenas para se preparar para exames de admissão na Universidade Técnica Nacional de Atenas. Embora ele tenha a intenção de estudar arquitetura e engenharia, ele também tomou lições de harmonia e contraponto com Aristotelis Koundouroff. 

 Em 1940 ele passou com êxito os exames, mas os estudos foram interrompidos pela Guerra Greco-Italiana, que começou com invasão italiana, em 28 de Outubro de 1940. Embora a Grécia ganhasse a guerra, não demorou muito para que o exército alemão juntasse aos italianos na batalha da Grécia, em abril de 1941. Isto levou à ocupação do Eixo da Grécia durante a Segunda Guerra Mundial, que durou até 1944, quando o Exército soviético começou sua unidade de toda a Roménia, obrigando as forças do Eixo lentamente a retirar-se. Xenakis juntou-se à comunista Frente de Libertação Nacional primeiramente durante a guerra, participando de protestos e manifestações, e mais tarde a tornando-se parte da resistência armada-esta última foi uma experiência dolorosa que Xenakis se recusou a discutir até muito mais tarde na vida. Depois de as forças do Eixo partirem, as forças britânicas interviram para ajudar a restaurar a monarquia; houve oposição do Exército Democrático da Grécia, e o país mergulhou numa guerra civil. Em dezembro de 1944, durante o período de lei marcial de Churchill, Xenakis (que era então um membro da facção de estudantes comunistas "da facção de esquerda de Lord Byron ELAS) envolveu-se em combates de rua contra os tanques britânicos. Foi gravemente ferido quando uma bomba atingiu o seu rosto, Xenankis sobreviveu ao ferimento, tendo sido descrito como um milagre. Ficou com cicatrizes profundas, e perdeu o seu olho esquerdo.

A Universidade Técnica trabalhou intermitentemente durante estes anos. Apesar disso,  e das outras actividades de Xenakis, ele foi capaz de se graduar em 1946, com uma licenciatura em engenharia civil. Xenakis foi então convocado para as forças armadas nacionais. Por volta de 1947 o novo governo começou a caçar os membros da resistência anterior e enviá-los para campos de concentração. Xenakis, temendo pela sua vida, desertou e entrou na clandestinidade. Com a ajuda do seu pai e outros, ele fugiu da Grécia pela Itália. Em 11 de novembro de 1947 chegou a Paris. Numa entrevista posterior, Xenakis admitiu tremendo sentimento de culpa em deixar seu país, e que a culpa foi uma das fontes de sua devoção à música mais tarde:

Durante anos, fui atormentado pela culpa de ter deixado o país pelo qual eu lutei. Eu deixei os meus amigos, alguns foram presos, outros foram mortos, alguns conseguiram escapar. Senti que estava em dívida para com eles e que eu tinha que pagar essa dívida. E eu senti que tinha uma missão. Eu tinha que fazer algo importante para recuperar o direito de viver. Não era apenas uma questão de música era algo muito mais significativo.

Entretanto, na Grécia, foi condenado (à revelia) à morte pelo governo de direita. A sentença foi comutada para dez anos de prisão em 1951, e só levantou cerca de 23 anos mais tarde, após a queda do regime dos coronéis em 1974. 

Embora ele fosse um imigrante ilegal em Paris, Xenakis foi capaz de conseguir um emprego no estúdio de arquitectura de Le Corbusier. Trabalhou como assistente de engenharia no início, mas rapidamente passou a executar tarefas mais importantes e, eventualmente, a colaborar com Le Corbusier em grandes projectos. Estes incluíam um jardim de infância no telhado de um bloco de apartamentos em Nantes (Rezé), partes de prédios do governo em Chandigarh, Índia, a "superfície de vidro ondulatória" de Sainte Marie de La Tourette, um convento dominicano num vale perto de Lyon, e os Philips Pavilion na Expo 58 o último projeto foi concluído por Xenakis sozinho, a partir de um desenho básico de Le Corbusier. A experiência adquirida desempenhou um papel importante na sua música: importantes primeiras composições como Metastaseis B (1953-4, também conhecido como metástase) foram baseadas directamente em conceitos de arquitetura.

Ao mesmo tempo, enquanto trabalhava para Le Corbusier, Xenakis foi estudar harmonia e contraponto e composição. Ele trabalhou muito e bem, muitas vezes até altas horas da noite, e procurou a orientação de um número de professores, a maioria dos quais, no entanto, em última instância rejeitou. Tal foi o caso com Nadia Boulanger, que foi a primeira pessoa abordada por Xenakis sobre as lições. Tentou então estudar com Arthur Honegger, cuja reacção à música de Xenakis foi desanimadora. Como Xenakis contou numa entrevista de 1987, Honegger negou provimento a um pedaço que incluía quintas e oitavas paralelas como "não música". Xenakis, que estava por esse tempo bem familiarizado com a música de Debussy, Béla Bartók e Stravinsky, todos eles utilizavam dispositivos e  muito mais experimentais, ficou furioso e partiu para estudar com Darius Milhaud, mas essas aulas também foram infrutíferas. Em seguida, Annette Dieudonné, uma amiga próximo de Boulanger, recomendou que Xenakis tentasse estudar com Olivier Messiaen. Xenakis aproximou-se de Messiaen pelo conselho: ele deve novamente começar a estudar harmonia e contraponto? Ao contrário de Honegger e Milhaud, Messiaen imediatamente reconheceu o talento de Xenakis:

"Eu compreendi imediatamente que ele não era alguém como os outros. [...] Ele é de uma inteligência superior. [...] Eu fiz uma coisa horrível que eu deveria fazer com nenhum outro aluno, porque eu acho que se deve estudar harmonia e contraponto. Mas este era um homem tão muito fora do comum que eu disse ... Não, você está quase com trinta anos, você tem a sorte de ser grego, de ser um arquiteto e de ter estudado matemática especial. Tire proveito destas coisas. Fazê-los na sua música".

Xenakis freqüentou aulas de Messiaen regularmente em 1951-53. Messiaen e os seus alunos estudaram música a partir de uma ampla gama de géneros e estilos, com especial atenção para o ritmo. As composições de Xenakis de 1949-52 foram em sua maioria inspiradas nas melodias folk grego, tais como Bartók, Ravel, entre outros, depois de estudar com Messiaen, ele descobriu o serialismo e ganhou uma compreensão profunda da música contemporânea (outros alunos Messiaen na época incluía, por exemplo, Karlheinz Stockhausen e Jean Barraqué). O serialismo modal de Messiaen foi uma influência sobre a primeira obra de Xenakis em grande escala, Anastenaria (1953-54): um tríptico para coro e orquestra, baseada em um antigo ritual dionisíaco. A terceira parte do tríptico, Metastaseis, é geralmente considerado como a primeira peça de compositor maduro, foi separada do tríptico para marcar o início da "oficial" a obra de Xenakis.

Em 1953Xenakis casou-se com Françoise Xenakis (née Gargouïl), jornalista e escritora, a quem ele conheceu em 1950. Mâkhi, sua filha, mais tarde, uma pintora e escultora, nasceu em 1956. Em 1954, com o apoio de Messiaen, Xenakis foi aceite no Groupe de Recherches de Música Concreta, uma organização criada por Pierre Schaeffer e Pierre Henry, dedicado ao estudo e produção de música eletrónica na variedade de musique concrète. Pouco tempo depois conheceu o maestro Hermann Scherchen, que ficou imediatamente impressionado com a pontuação de Metastaseis e ofereceu-lhe o seu apoio. Embora Scherchen não fizesse a estreia daquele trabalho particular, ele fez a apresentação de peças mais tarde por Xenakis, e a relação entre o maestro e compositor foi de importância vital para o último.

No final dos anos 1950 Xenakis lentamente começou a ganhar reconhecimento no meio artístico. Em 1957  recebeu o prémio de composição, da Fundação Europeia da Cultura, e em 1958 a primeira comissão oficial veio, a partir do serviço de Recherche de Radio-France. No mesmo ano, ele produziu uma peça de música concreta, Concret PH , para o Pavilhão Philips, e em 1960, Xenakis ficou conhecido o suficiente para receber uma comissão da UNESCO, por uma trilha sonora para um documentário por Enrico Fulchignoni.

Depois de deixar o estúdio de Le Corbusier em 1959, Xenakis foi capaz de se sustentar através da composição e do ensino, e rapidamente se tornou reconhecido como um dos compositores mais importantes da Europa do seu tempo. Ele tornou-se especialmente conhecido pela sua pesquisa musical no campo da composição assistida por computador, para o qual fundou a Equipe de Mathematique et Automatique Musicales (EMAMu) em 1966 (conhecido como CEMAMU: Centre d'Etudes et de Mathematique Automatique Musicales, desde 1972 ). Leccionou na Universidade de Indiana em 1967-72 (e criou um estúdio semelhante ao EMAMu), e trabalhou como professor visitante na Sorbonne, em 1973-89. Xenakis frequentemente dava aulas (por exemplo, de 1975 a 1978 foi Professor de Música no Gresham College, de Londres, dando palestras públicas), ensinou composição (alunos notáveis incluem Pascal Dusapin, Henning Lohner), e os seus trabalhos foram realizados em todo o mundo em inúmeros festivais, incluindo, por exemplo, o Festival de Artes de Shiraz no Irão.

Além de compor e de ensinar, Xenakis também foi autor de vários artigos e ensaios sobre música. Destes, Musiques formelles (1963) tornou-se particularmente conhecido. Uma colectânea de textos sobre os pedidos de processos estocásticos, teoria dos jogos e programação de computador na música, foi posteriormente revisto, ampliado e traduzido para o Inglês como Música formalizada: Pensamento e Matemática em Composição (1971) durante o mandato de Xenakis na Universidade de Indiana.

Xenakis completou a sua última obra, O mega-solista de percussão e orquestra de câmara, em 1997. A sua saúde foi piorando progressivamente ao longo dos anos, e em 1997 ele não era mais capaz de trabalhar. Após vários anos de doença grave, no início de fevereiro de 2001, o compositor entrou em coma. Morreu nam sua casa de Paris, vários dias depois, em 4 de fevereiro, aos 78 anos. Foi socorrido por sua esposa e sua filha.

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http://www.youtube.com/watch?v=RTlKINcSTBE

XAVIER, JOSÉ MARIA

Padre José Maria Xavier (São João del-Rei, 23 de agosto de 1819 - São João del-Rei, 22 de janeiro de 1887), foi um compositor brasileiro.

Filho de João Xavier da Silva Ferrão e Maria José Benedita de Miranda. Realizou estudos de música, canto, clarinete e violino, com o tio, o compositor e prof. Francisco de Paula Miranda.

São conhecidas mais de cem obras de José Maria Xavier, muitas de grandes dimensões, conservadas em arquivos de manuscritos musicais de Minas Gerais, São Paulo, Rio de Janeiro e Goiás. As suas Matinas do Natal foram editadas na Alemanha e são raro exemplo de música sacra oitocentista mineira com partitura impressa. É autor de obras para o Ofício de Ramos, os Ofícios de Trevas e Sexta-Feira Maior que são tocadas até hoje nas celebrações da Semana Santa em São João del-Rei.

Em 1872, recebeu a Medalha de Prata da V Semana Industrial Mineira como prémio pelas suas obras. São muitas as referências a ele em obras literárias e históricas, assim como em relatos de viagens e diários.

D. Pedro II do Brasil a ele se refere no seu diário e menciona admiração pela obra do compositor, ouvida numa das suas viagens (1881) e considerada a melhor obra mineira que conheceu.

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http://www.youtube.com/watch?v=Q2vqP1CLSkA

WILLAN, HEALEY

Healey Willan, (12 de outubro de 1880 - 16 de fevereiro de 1968) foi um organista anglo-canadense e compositor. Compôs mais de 800 obras, entre óperas, sinfonias, música de câmara, um concerto e peças para banda, orquestra, órgão e piano. É mais conhecido pela sua música religiosa.

Nasceu em Balham, Londres e no início de sua carreira (1903 - 1913) era organista e mestre de coro na Igreja de São João Batista, Holland Road, Londres. Em 1913 emigrou para o Canadá para se tornar o chefe do departamento de teoria no Conservatório de Música do Canadá (agora Real Conservatório de Música), em Toronto. Além disso, assumiu o cargo de organista e mestre de coro na igreja de St. Paul's, Bloor Street. Entre os seus alunos estava o notável pianista, Howard Brown e a compositora, Patricia Blomfield Holt.

Willan ficou interessado no programa de música da outra igreja Anglicana, a Igreja de Santa Maria Madalena. St. Paul's foi uma igreja evangélica (igreja baixa); St. Mary Magdalene, embora muito menor, foi considerada especialmente  uma igreja anglo-católica (igreja alta). Em 1920 Willan estava ajudando na prática coral. Em 1921,  renunciou ao seu cargo em São Paulo e voltou a sua atenção para Santa Maria Madalena. Começou a criar um grande número de obras litúrgicas para uso nos serviços da igreja. Permaneceu em Santa Maria Madalena até pouco antes de sua morte, por último, dirigindo o coral em 1967.

Em 1953 foi convidado a apresentar um hino para a coroação da rainha Elizabeth II, Senhor, nosso Governador. Esta continua a ser uma das suas peças mais realizadas. Em 1956, recebeu o Lambeth Doctorate , do Arcebispo de Canterbury, e tornou-se um dos primeiros membros da Ordem do Canadá, em 1967.

As pessoas que se lembram de Willan do seu tempo de Santa Maria Madalena, gostam de moderar obstinadamente a sua  piedosa imagem pública citando-o, quanto à sua proveniência: "Inglês de nascimento, brasileiro por adoção; irlandês por extracção; escocês por absorção".

OBRA

Passcaglia and Fugue

Epilogue
 
Óperas
L'Ordre du bon temps (1928)
Prince Charlie and Flora (1929)
The Ayrshire Ploughman (?)
Maureen (perdida)
Indian Christmas Play (perdida)
Transit through Fire (1942)
Deirdre (1946, escrita para a Canadian Radio,  revista para palco em 1965)

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http://www.youtube.com/watch?v=A1ea3BwtBuA

WILLAERT, ADRIAN

Adrian Willaert (c. 1490 - 7 de Dezembro 1562) foi um compositor flamengo da Renascença e fundador da Escola de Veneza. Foi um dos membros mais representativos da geração de compositores nórdicos que se mudou para a Itália e transplantou para lá o estilo polifónico franco-flamengo.

Provavelmente nasceu em Bruges, embora uma fonte secundária sugerisse Roeselare. De acordo com o seu aluno, o renomado músico-teórico Gioseffo Zarlino do final do século XVI, Willaert foi para Paris estudar Direito, mas decidiu estudar música. Em Paris, conheceu Jean Mouton e estudou com ele.

Algures por volta de 1515, Willaert primeiro foi para Roma. Uma anedota sobrevive que indica a capacidade musical do jovem compositor: Willaert ficou surpreso ao descobrir o coro da capela papal cantando uma de suas próprias composições, o mais provável dos seis co-motet Verbum et bonum suave, e ainda mais surpreso ficou ao saber que eles pensaram que tinha sido escrita pelo compositor Josquin des Prez, muito mais famoso. Quando ele informou os cantores do seu erro - que ele era de facto o compositor - o coro recusou-se a cantá-la novamente. Na verdade o estilo de Willaert é muito semelhante ao de Josquin , com boa polifonia, as vozes equilibradas e uso frequente de imitação.

Em julho de 1515, Willaert entrou ao serviço do cardeal Ippolito I d'Este de Ferrara. Ippolito foi um viajante, e Willaert provavelmente acompanhou-o a vários lugares, incluindo a Hungria, onde provavelmente residia 1517-1519. Quando Ippolito morreu em 1520, Willaert entrou ao serviço do duque Afonso de Ferrara. Em 1522 Willaert tinha um cargo na capela da corte do duque Alfonso, onde permaneceu até 1525, altura em que os registos mostram que era empregado da Ippolito II d'Este, em Milan.

A nota mais significativa de Willaert, e uma dos mais importantes na história musical do Renascimento, foi a sua selecção como maestro di cappella de São Marcos em Veneza. A música tinha definhado sob o comamndo do seu predecessor, Pietro de Fossis, mas isso foi rapidamente mudado. O Doge veneziano Andrea Gritti tinha um grande peso na nomeação Willaert para o cargo de maestro di cappella em São Marcos.

Desde a sua nomeação em 1527 até à sua morte em 1562, ele manteve o posto de São Marcos. Compositores vieram de toda a Europa para estudar com ele, e os seus padrões foram elevados tanto para o canto como para a composição. Durante o seu emprego anterior, com os duques de Ferrara, tinha adquirido muitos contactos e amigos influentes no resto  da Europa, incluindo a família Sforza, em Milão, sem dúvida, isto aumentou a propagação da sua reputação, e conseqüente importação de músicos de países estrangeiros para norte Itália. Em documentos do tribunal de Ferrara, Willaert é referido como "Adriano Cantore". Além da sua produção de música sacra, como o director de St. Mark's, ele escreveu numerosos madrigais, uma forma secular, e é considerado um compositor flamengo madrigal de primeira ordem. 

Willaert foi um dos mais versáteis compositores da Renascença, escreveu músicas em quase todos os estilos existentes e na forma. Na força da sua personalidade, e com a sua posição central como maestro di cappella em São Marcos, tornou-se o músico mais influente na Europa entre a morte de Josquin e do tempo de Palestrina. Willaert deve muito de sua fama na música sacra de seus motetos.

De acordo com Gioseffo Zarlino, escrevendo no final do século XVI, Willaert foi o inventor do estilo antiphonal a partir do qual o estilo policoral da escola veneziana evoluiu. Como havia dois lofts corais, um de cada lado do altar principal de São Marcos, ambos com um órgão, Willaert dividiu o corpo coral em duas seções, utilizando-os, quer antifonalmente ou simultaneamente. Rore, Zarilino, Andrea Gabrieli, Donato, e Croce, sucessores de Willaert, todos cultivaram este estilo. A tradição da escrita que Willaert estabeleceu durante seu tempo em St. Mark's foi continuado por outros compositores que trabalham lá durante todo o século XVI. Em seguida, ele compôs e interpretou salmos e outras obras para dois coros alternadamente. Esta inovação teve sucesso instantâneo e influenciou fortemente o desenvolvimento do novo método. Em Veneza, um estilo de composição, instituído por Willaert, foi por vários coros dominado. Em 1550 publicou spezzati Salmi, configurações antiphonal dos salmos, o primeiro trabalho poli-coral da escola veneziana.

Com os seus contemporâneos, Willaert desenvolveu a canzone (uma forma de música secular polifónica) e ricercare, que foram os precursores das modernas formas instrumentais. Willaert também organizou 22 madrigais de quatro partes para voz e alaúde escrita por Verdelot. Willaert foi o primeiro a usar extensivamente o cromatismo no madrigal.  Willaert, que gostava das técnicas de composição mais antigas, como o cânone, muitas vezes, colocou a melodia no tenor nas suas composições, tratando-o como um cantus firmus. Willaert, com a ajuda  de  De Rore, uma configuração padronizou uma configuração a cinco vozes na composição do madrigal. Willaert também foi pioneiro de um estilo que continuou até o final do período do madrigal de refletir as qualidades emocionais do texto e os significados das palavras importantes como forte e clara possível.

Willaert distinguiu-se mais como professor do que como compositor. Entre os seus discípulos, destacam-se Cipriano de Rore, o seu sucessor em São Marcos; Costanzo Porta, Francesco Viola; Gioseffo Zarlino e Andrea Gabrieli. Outro compositor estilisticamente descendente de Willaert foi Lassus. Estes compositores, com exceção de Lassus, formaram o núcleo do que veio a ser conhecida como a Escola de Veneza, que foi decisiva na influência sobre a mudança de estilo que marcou o início do período barroco. Entre os alunos de Willaert, em Veneza, um dos mais proeminentes foi o seu companheiro nortista Cipriano de Rore. A escola veneziana floresceu durante o resto do século XVI e no XVII, liderado por Gabrieli e outros [23]. Willaert provavelmente também influenciou o jovem Palestrina. Willaert deixou um grande número de composições - 8 missas, mais de 50 hinos e salmos, mais de 150 motetos, cerca de 60 chansons francesas, mais de 70 madrigais italianos e vários instrumentais (ricercares).

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http://www.youtube.com/watch?v=ern6PIEtMHU

WEILL, KURT

Kurt Weill Julian (2 de março de 1900  - 3 de abril de 1950) era alemão, e uns anos mais tarde se tornou americano, compositor activo desde 1920 até sua morte. Era um compositor principalmente para o palco. Também escreveu uma série de obras para o concerto.

Kurt Weill Julian nasceu em 2 de março de 1900, o terceiro dos quatro filhos de Albert Weill (1867-1950) e Emma Weill  Ackermann (1872-1955). Cresceu nm uma família religiosa judaica em "Sandvorstadt", o bairro judeu em Dessau, Alemanha, onde seu pai era cantor. Aos de doze anos de idade, Kurt Weill começou a ter aulas de piano e fez sua primeira tentativa de escrever música, a sua primeira composição preservada foi escrita em 1913 e  intitulada Mi Addir. Jewish Wedding Song.

Em 1915, Weill começou a ter aulas particulares com Albert Bing, Kapellmeister no "Herzogliches Hoftheater zu Dessau", que lhe ensinou piano, composição, teoria musical e regência. Weill tocou publicamente em piano pela primeira vez em 1915, tanto como solista e acompanhador. Nos anos seguintes compôs numerosas Lieder para as letras de poetas como Eichendorff, Arno Holz, e Anna Ritter, bem como um ciclo de cinco canções intitulado Ofrahs Lieder de uma tradução alemã do texto de Yehuda Halevi.

Weill graduou-se com um Abitur do Oberrealschule de Dessau em 1918, e matriculou-se na Hochschule für Musik Berliner com a idade de 18 anos, onde estudou composição com Engelbert Humperdinck, conduzindo com Rudolf Krasselt e contraponto com Friedrich E. Koch. No mesmo ano, escreveu o seu primeiro quarteto de cordas (em B menor).

A família Weill experimentou dificuldades financeiras no rescaldo da Primeira Guerra Mundial, e em julho de 1919, Weill abandonou seus estudos e voltou para Dessau, onde foi empregado como  repetidor no Friedrich-Theater, sob a direcção do novo Kapellmeister, Hans Knappertsbusch. Durante esse tempo, compôs uma suite orquestral em Mi bemol maior, um poema sinfónico de Rilke, The Lay of the Love and Death of Cornet Christopher Rilke, bem como Schilflieder, um ciclo de cinco músicas para poemas de Nikolaus Lenau. Em dezembro de 1919, com a ajuda de Humperdinck, Weill foi nomeado como mestre de capela na recém-fundada Stadttheater em Lüdenscheid, onde dirigiu a ópera, opereta, ópera-dramáticae por cinco meses, e também compôs uma sonata para violoncelo e Ninon de Lenclos. De maio a setembro de 1920, Weill passou alguns meses em Leipzig, onde seu pai tinha se tinha tornado o novo director de um orfanato judeu. Antes, ele retornou a Berlim, em setembro de 1920, onde compôs Sulamith, uma fantasia coral para soprano, coro feminino e orquestra.

De volta a Berlim, Weill teve uma entrevista com  Ferruccio Busoni, em Dezembro de 1920. Depois de examinar algumas das composições Weill, Busoni aceitou-o como um dos cinco estudantes de mestrado em composição na Akademie der Preußische Künste, em Berlim. A partir de janeiro 1921 a dezembro de 1923, Weill estudou composição musical com ele e também contraponto com Philipp Jarnach em Berlim. Durante o seu primeiro ano, compôs a sua primeira sinfonia, Sinfonie einem Satz, bem como a canção Die Bekehrte (Goethe) e duas Rilkelieder para voz e piano. A fim de sustentar sua família, em Leipzig, também trabalhou como pianista numa taberna Bierkeller. Na primavera de 1922, Weill juntou-se à facção November Group de música. Naquele ano, compôs um salmo, um divertimento para orquestra e Sinfonia Sacra: Fantasia, Passacaglia e Hymnus para Orquestra. Em 18 de novembro de 1922, a sua pantomima dos filhos Die Zaubernacht (The Night Magic) estreada no Theater am Kurfürstendamm, foi a primeira apresentação pública de uma das obras de Weill no domínio do teatro musical.

Por necessidade financeira, Weill ensinou teoria musical e composição para alunos particulares 1923-1925. Entre os seus alunos estavam Claudio Arrau, Maurice Abravanel, Henry (então conhecido como Heinz) Jolles, e Nikos Skalkottas. Arrau, Abravenel e Jolles, pelo menos, ficariam membros do círculode amigos de Weill. Uma das estreias desse ano incluiu uma performance de seu Divertimento para Orquestra, pela  Filarmônica de Berlim por sob a direção de Heinz Unger em 10 de abril de 1923. Weill terminou os seus estudos com Busoni.

Em fevereiro de 1924, o maestro Fritz Busch apresentou-o ao dramaturgo Georg Kaiser, com quem Weill teria uma parceria de longa duração criativa, resultando em várias óperas de um ato. Na casa de Kaiser em Grünheide, Weill também conheceu a actriz e futura esposa, Lotte Lenya, no Verão de 1924.  O casal se casou-se duas vezes: em 1926 e novamente em 1937 (após o seu divórcio em 1933). Lenya teve grande cuidado em apoiar o trabalho de Weill, e depois de sua morte,  encarregou-se de aumentar a consciência da sua música, formando a Kurt Weill Foundation.


De novembro de 1924 a maio de 1929, Weill escreveu centenas de comentários para o influente programa de rádio e abrangente guia Der Deutsche Rundfunk. 

Embora ele tivesse tido algum sucesso com a sua primeira obra  na fase não-madura (como o Quarteto de Cordas, op. 8 ou o Concerto para Violino e Orquestra de Sopros, Op. 12), que foram influenciados por Gustav Mahler, Arnold Schoenberg e Stravinsky Igor, Weill tendeu mais para a música vocal e musical de teatro. A sua obra de teatro musical e as suas músicas foram muito populares entre o público em geral na Alemanha no final dos anos 1920 e início da década de 1930. A música de Weill era admirada por compositores como Alban Berg, Alexander von Zemlinsky, Darius Milhaud e Stravinsky, mas também foi criticado por outros: por Schoenberg, que mais tarde reviu sua opinião, e Anton Webern.

A sua obra mais conhecida é a ópera Os três vinténs (1928), uma reformulação de John Gay's The Beggar's Opera, escrita em colaboração com Bertolt Brecht. Engel dirigiu a produção original de A Ópera dos Três Vinténs em 1928. Ela contém a canção mais famosa de Weill, "Mack the Knife" ("Die Moritat von Mackie Messer").

Weill fugiu da Alemanha nazi em março de 1933. Como compositor proeminente e popular judaico, ele era um alvo das autoridades nazis, que criticou e até mesmo interferiu com os desempenhos de suas obras mais tarde, como Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny (Ascensão e Queda da Cidade de Mahagonny, 1930) , Bürgschaft Die (1932), e Silbersee Der (1933). Sem opção, mas para deixar a Alemanha, ele foi primeiro para Paris, onde trabalhou mais uma vez com Brecht (depois de um projeto com Jean Cocteau ) - o balé Os Sete Pecados Capitais.

Em 13 de abril de 1933 o musical A Ópera dos Três Vinténs foi estreada na Broadway, mas fechou depois de 13 performances para revisões misturadas. Em 1934, ele completou a sua Symphony No.2,  seu último trabalho puramente orquestral, realizado em Amsterdam e Nova York por Bruno Walter, e também a música para a peça de Jacques Deval, Marie Galante.

A produção de sua opereta Der Kuhhandel (um reino para uma vaca)  levou-o a Londres em 1935, e mais tarde foi para os Estados Unidos em conexão com Road Eternal, um "Drama Bíblico", de Franz Werfel que havia sido encomendado por membros da comunidade judaica de Nova York e estreado em 1937 na Ópera House de Manhattan, correndo para 153 apresentações. Weill e a sua esposa, a actriz e cantora Lotte Lenya, estabeleceram-se em Nova York, em 10 de setembro de 1935. Weill acredita que a maior parte de sua obra havia sido destruída, e raramente (e relutantemente) falou ou escreveu alemão novamente, com a excepção de, por exemplo, cartas a seus pais que tinham escapado para Israel.

Ao invés de continuar a escrever no mesmo estilo que caracterizou as suas composições europeias, Weill fez um estudo da música  popular e da música de cena americana. Trabalhou com escritores como Maxwell Anderson e Ira Gershwin, e até mesmo escreveu uma trilha sonora de Fritz Lang (You and Me, 1938) . Weill esforçou-se para encontrar uma nova maneira de criar uma ópera americana que seria comercialmente e artisticamente bem-sucedida. A tentativa mais interessante neste sentido é Street Scene, baseada na peça de Elmer Rice, com letra de Langston Hughes. Pelo seu trabalho na Street Scene,Weill  foi premiado com o Tony Award de Melhor Trilha Sonora Original.

Na década de 1940 viveu no Weill Downstate Nova Iorque perto da fronteira com New Jersey e fez viagens freqüentes, tanto para Nova York e como para Hollywood para trabalhar no teatro e cinema. Weill foi activo em movimentos políticos para fomentar a entrada americana na Segunda Guerra Mundial, e depois a América entrou na guerra em 1941, Weill entusiasticamente colaborou em diversos projectos artísticos para apoiar o esforço de guerra, tanto no exterior como na frente de casa. Ele e Maxwell Anderson também se juntoaram ao serviço voluntário civil trabalhando como guardas de ataque aéreo em Mountain High Tor entre suas casas na Cidade Nova, Nova York e Haverstraw, New York, no condado de Rockland. Weill se tornou um cidadão naturalizado dos Estados Unidos em 1943.

Além de "Mack the Knife" e "Pirate Jenny" da Ópera dos Três Vinténs, as suas canções mais famosas incluem "Alabama Song" (de Mahagonny), "Surabaya Johnny" (de final feliz), "Speak Low" (a partir de um toque de Venus), "Lost in the Stars" (do musical de mesmo nome), "My Ship" (de Lady in the Dark), e "Canção de Setembro" (de Knickerbocker Holiday).

Weill sofreu um ataque cardíaco logo após o seu 50º aniversário e faleceu no dia 3 de abril de 1950 em New York City. Foi enterrado no Cemitério de Mount Repose Haverstraw, New York.

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http://www.youtube.com/watch?v=iJKkqC8JVXk

WEBER, CARL

Carl Maria Friedrich Ernst von Weber (18-19 de novembro 1786 - 4-5 junho de 1826) foi um compositor alemão, maestro, pianista, guitarrista e crítico, um dos primeiros compositores significantes da escola romântica.

As obras de Weber, principalmente as suas óperas Der Freischütz, Euryanth e Oberon muito influenciaram o desenvolvimento da ópera romântica na Alemanha. Ttambém foi um compositor inovador da música instrumental. As suas composições para clarinete, que incluem dois concertos, um concertino, um quinteto e um duo concertante, são realizados regularmente, enquanto a sua música de piano, incluindo quatro sonatas, concertos e os dois Konzertstück (Concert Piece), em Fá menor, influenciaram compositores como Frédéric Chopin, Franz Liszt e Mendelssohn Felix. 

Acontribuição de Weber para a música vocal e coral também é significativa. O seu corpo de música religiosa católica foi muito popular no século XIX na Alemanha, e compôs um dos primeiros ciclos de música, Die Temperamente beim der Verluste Geliebten (Quatro Temperamentos na perda de um amante).

A orquestração de Weber também foi altamente elogiada e imitada por gerações posteriores de compositores - Hector Berlioz referiam-se a ele várias vezes no seu Treatise on Instrumentation, enquanto Claude Debussy observou que o som da orquestra de Weber foi obtida através da análise da alma de cada instrumento.

As suas óperas influencaram a obra de compositores de ópera mais tarde, especialmente na Alemanha, tais como Heinrich Marschner, Giacomo Meyerbeer e Richard Wagner, bem como vários compositores nacionalistas do século XIX, como Mikhail Glinka, e a homenagem foi-lhe  paga por compositores do século XX, tais como Debussy, Stravinsky, Gustav Mahler (que terminou inconclusa Weber comic ópera Die drei Pintos e fez revisões de Euryanthe e Oberon) e Paul Hindemith (compositor da popular Symphonic Metamorphoses sobre temas de Weber).

Weber também fez jornalismo sobre a música e estava interessado em canções folclóricas, e aprendeu litografia para gravar suas próprias obras.

Weber nasceu em Eutin, Holstein, sendo o mais velho dos três filhos de Franz Anton von Weber (que parece ter tido nenhuma reclamação real para a "nobreza denotando von"), e sua segunda esposa, Genovefa Brenner, uma actriz. Franz Anton começou a sua carreira como oficial militar ao serviço do ducado de Holstein, mais tarde, realizou uma série de mandatos musicais, e em 1787 foi para Hamburgo, onde fundou uma companhia teatral.

O pai de Weber deu-lhe uma educação integral, que foi entretanto interrompida por constantes deslocamentos da família. Em 1796, Weber continuou a sua educação musical em Hildburghausen, onde foi instruído pelo oboísta Johann Peter Heuschkel.

Em 13 de março de 1798, a mãe de Weber morreu de tuberculose. Nesse mesmo ano, Weber foi para Salzburgo, para estudar com Michael Haydn, e depois para Munique para estudar com o cantor Johann Evangelist Wallishauser e organista JN Kalcher.

O ano de 1798 também viu primeiro trabalho de Weber publicado, seis fughettas para piano, publicado em Leipzig. Outras composições desse período, entre eles uma missa, e a sua primeira ópera, Die Macht der Liebe und des Weins (The Power of Love and Wine), estão perdidas, mas um conjunto de variações para o Piano-forte mais tarde foi litografado pelo próprio Weber, sob a orientação de Alois Senefelder, o inventor do processo.

Em 1800, a família mudou-se para Freiberg, na Saxônia, onde Weber, então com 14 anos, escreveu uma ópera chamada Das Stumme Waldmädchen (A menina da floresta silenciosa), que foi produzida no teatro Freiberg. Mais tarde, foi realizadoa em Viena, Praga e São Petersburgo. Weber também começou a escrever artigos como crítico, por exemplo, na Neue Leipziger Zeitung (1801).

Em 1801, a família retornou a Salzburgo, onde Weber retomou os seus estudos com Michael Haydn. Mais tarde, continuou a estudar em Viena com Abbé Vogler (Georg Joseph Vogler), fundador de três importantes escolas de música (em Mannheim, Estocolmo e Darmstadt), outro aluno do famoso de Vogler foi Giacomo Meyerbeer, que se tornou um amigo próximo de Weber.

Em 1803, a ópera de Weber, Peter Schmoll und seine Nachbarn (Peter Schmoll e seus vizinhos) foi produzida em Augsburg, Weber teve o seu primeiro sucesso como compositor popular.

Vogler, impressionado pelo talento do seu aluno, recomendou-o para o cargo de Director da Ópera, em Breslau (1806), e entre 1807-1810, Weber teve um posto na corte do Duque de Württemberg, em Stuttgart.

Ele deixou o seu posto em Breslau, num acesso de frustração, foi preso numa ocasião por a dívida e fraudes e expulso de Württemberg, e esteve envolvido em vários escândalos. No entanto, manteve-se bem-sucedido como compositor, e também escreveu uma quantidade de música religiosa, principalmente para a missa católica. Isto, no entanto valeu-he a hostilidade dos reformadores que trabalhavam para o restabelecimento do canto na liturgia tradicional.

Em 1810, Weber visitou diversas cidades em toda a Alemanha; entre 1813-1816 foi director da Ópera de Praga, entre 1816-1817, trabalhou em Berlim, e de 1817 em diante, ele foi director da  prestgiosa Ópera em Dresden, trabalhando duramente para estabelecer uma ópera alemã, em reacção à ópera italiana que havia dominado a cena musical europeia desde o século XVIII. Em 4 de novembro de 1817, casou-se com Caroline Brandt, cantora para quem criou o papel de "Silvana".

A estreia de sucesso de Der Freischütz em 18 de junho de 1821 em Berlim levou a desempenhos em toda a Europa. Na manhã da estreia, Weber concluiu o seu Konzertstück para Piano e Orquestra em Fá menor, e que ele estreou uma semana depois. 

Em 1823, Weber compôs a ópera Euryanthe para um libreto medíocre, mas com música muito rica, a insinuação de que, em particular antecipa Richard Wagner. Em 1824, Weber recebeu um convite de Covent Garden, Londres, para compor e produzir Oberon, baseada no poema de Christoph Martin Wieland, de mesmo nome. Weber aceitou o convite, e em 1826 viajou para a Inglaterra, para terminar o trabalho e realizar a estreia em 12 de Abril.

Outras obras famosas por Weber são: Invitation to the Dance (Convite para a Dança) (depois orquestrada por Hector Berlioz); Polacca Brillante (mais tarde, orquestrada por Liszt); duas sinfonias, um concertino e dois concertos para clarinete, um quinteto para clarinete e cordas, e um concertino para trompa (durante o qual o artista é convidado a produzir simultaneamente duas notas por cantarolando enquanto toca.

Weber já sofria de tuberculose quando ele esteve em Londres, morreu na casa de Sir George Thomas Smart durante a noite de 4-5 de junho de 1826. Weber tinha 39 anos. Foi enterrado em Londres, mas 18 anos mais tarde os seus restos mortais foram transferidos, numa iniciativa de Richard Wagner e re-enterrado em Dresden.

A sua ópera inacabada Die drei Pintos "Os Pintos Três Pintos", foi originalmente dada pela viúva de Weber, para Meyerbeer concluir, mas acabou por ser concluída por Gustav Mahler, que conduziu a primeira performance dessa forma em Leipzig, em 20 de janeiro de 1888.

OBRAS

Óperas

Die Macht der Liebe und des Weins Singspiel - 1798, but lost. 

WaldmädchenDas Waldmädchen, (Das stumme Waldmädchen or Das Mädchen im Spessarter Wald) - romantische Oper - 1800, but only fragments remain.

Peter Schmoll und seine Nachbarn 2 acts - 1801–2, dialogue lost.
Rübezahl 2 acts - 1804–5

Silvana - romantische Oper 3 acts - 1808–10

Abu Hassan Singspiel 1 act - 1810–11

Der Freischütz - romantische Oper 3 acts - 1817–21

Die drei Pintos - komische Oper 3 acts - 1820–21, incomplete.

Euryanthe - grosse heroisch-romantische Oper 3 acts - 1822–23
Oberon or The Elf Kings Oath - romantische Oper - 3 acts - 1825–26

Church music

Missa sancta No. 1 in E flat, J. 224 (1818)

Missa sancta No. 2 in G, Op. 76, J. 251 (1818-19)

Symphonies

Symphony No. 1 in C (1812)

Symphony No. 2 in C (1813)

Vocal works with orchestra

Cantata Der erste Ton for chorus and orchestra, Op. 14, J. 58 (1808 / revised 1810)

Recitative and rondo Il momento s'avvicina for soprano and orchestra, Op. 16, J. 93 (1810)

Hymn In seiner Ordnung schafft der Herr for soloists, chorus and orchestra, Op. 36, J. 154 (1812)

Cantata Kampf und Sieg for soloists, chorus and orchestra, Op. 44, J. 190 (1815)

Scene and Aria of Atalia Misera me! for soprano and orchestra, Op. 50, J. 121 (1811)

Jubel-Cantata for the 50th royal jubilee of King Frederick Augustus I of Saxony for soloist, chorus and orchestra, Op. 58, J. 244 (1818)

Concertos

Piano Concerto No. 1 in C major, Op. 11, J. 98 (1810)

Piano Concerto No. 2 in E flat major, Op. 32, J. 155 (1812)

Konzertstück for Piano and Orchestra in F minor, Op. 79, J. 282 (1821)

Bassoon Concerto in F major, Op. 75, J. 127 (1811 / revised 1822)

Andante and Rondo Hungarian (Andante e Rondo Ongarese) for Bassoon and Orchestra in C minor, Op. 35, J. 158 (1813), revised as J. 79

Clarinet Concerto No. 1 in F minor, Op. 73, J. 114 (1811)

Clarinet Concerto No. 2 in E flat major, Op. 74, J. 118 (1811)

Concertino for Clarinet and Orchestra in C minor/E flat major, Op. 26, J. 109 (1811)

Grand Potpourri for Cello and Orchestra in D major, Op. 20, J. 64 (1808)

Variations for Cello and Orchestra in D minor, J. 94 (1810)

Konzertstück for Horn and Orchestra in E minor, Op. 45, J. 188 (1815)

Romanza Siciliana for Flute and Orchestra, J. 47 (1805)

Six Variations on the theme A Schüsserl und a Reind'rl for Viola and Orchestra, J. 49 (1800 / revised 1806)

Andante and Hungarian Rondo for Viola and Orchestra, J. 79 (1809)

Adagio and Rondo for Harmonichord and Orchestra in F major, J. 115 (1811)

 

Para ouvir

http://www.youtube.com/watch?v=2O2TMcdu0mk