STRAVINSKI, IGOR

Ígor Fiódorovitch Stravinski - Oranienbaum, 17 de Junho de 1882 – Nova York, 6 de Abril de 1971) foi um compositor, pianista e maestro russo, considerado por muitos um dos compositores mais importantes e influentes do século XX. Foi o arquétipo do russo cosmopolita, escolhido pela revista Time como uma das 100 pessoas mais influentes do século. Além do reconhecimento que obteve pelas suas composições, ficou ainda famoso como pianista e maestro, estando nessa condição muitas vezes na estreias das suas obras.

A carreira de compositor de Stravinski foi notável pela sua diversidade estilística. Inicialmente adquiriu fama internacional com três ballets encomendados pelo empresário Sergei Diaghilev e executados pelos Ballets Russes de Diaghilev: L'Oiseau de feu ("O Pássaro de Fogo") (1910), Petrushka (1911/1947), e Le Sacre du printemps ("A Sagração da Primavera") (1913). A Sagração, cuja estreia provocou um motim, transformou o modo de pensamento dos compositores posteriores acerca da estrutura rítmica, e foi largamente responsável pela reputação duradoura de Stravinski enquanto revolucionário musical, forçando as fronteiras do design musical.

Após esta fase inicial russa, Stravinski virou-se para o neoclassicismo na década de 1920. As obras deste período tendem a utilizar as formas musicais tradicionais (concerto grosso, fuga, sinfonia), frequentemente disfarçadas com um veio de emoção intensa sob uma aparência superficial de distanciamento ou austeridade, muitas vezes prestando tributo à música de mestres anteriores, como J. S. Bach e Tchaikovsky.

Nos anos 1950 adoptou os procedimentos do serialismo, utilizando as novas técnicas ao longo dos seus últimos vinte anos. As composições de Stravinski deste período têm pontos em comum com toda a sua produção anterior: energia rítmica, a construção de ideias melódicas desenvolvidas a partir de algumas células de duas ou três notas, e clareza de forma, instrumentação e expressão vocal.

Também publicou vários livros ao logo da sua carreira, quase sempre com a ajuda de um colaborador, por vezes não nomeado. Na sua autobiografia de 1936, Chronicles of My Life, escrita com a ajuda de Walter Nouvel, Stravinski incluiu a sua famosa declaração de que a "música é, pela sua própria natureza, essencialmente impotente para expressar seja o que for." Com Alexis Roland-Manuel e Pierre Souvtchinsky escreveu as suas Charles Eliot Norton Lectures (Harvard University,1939–40 ), que foram feitas em francês e mais tarde coligidas sob o título Poétique musicale em 1942 (traduzidas para o inglês em 1947 como Poetics of Music). Muitas entrevistas nas quais o compositor conversou com Robert Craft foram publicadas como Conversations with Igor Stravinsky. Colaboraram ainda em mais cinco volumes adicionais durante a década seguinte.

Stravinski nasceu em Oranienbaum (renomeada como Lomonosov em 1948), na Rússia, e cresceu em São Petersburgo. A sua infância, como ele recorda na sua autobiografia, foi problemática: "Nunca conheci ninguém que tivesse verdadeira afeição por mim." O seu pai, Fyodor Stravinski, foi baixo no Teatro Mariinski em São Petersburgo, e o jovem Stravinski começou por ter lições de piano, estudando mais tarde teoria musical e fazendo algumas tentativas de composição. Em 1890, Stravinski viu uma execução do ballet de Tchaikovsky A Bela Adormecida no Teatro Mariinsky; a execução, o seu primeiro contacto com uma orquestra, fascinou-o. Aos catorze anos dominava o Concerto para Piano em G menor de Mendelssohn e, no ano seguinte, finalizou uma redução para piano de um dos quartetos de cordas de Alexander Glazunov.

Apesar do seu entusiasmo pela música, os seus pais esperavam que se tornasse advogado. Stravinski inscreveu-se para estudar Direito na Universidade de São Petersburgo em 1901, mas essa não era a sua vocação, assistindo a menos de cinquenta aulas em quatro anos. Quando o pai morreu em 1902, Stravinski já tinha começado a dedicar mais tempo aos estudos musicais. Devido ao encerramento da universidade na Primavera de 1905, no balanço do Domingo Sangrento, Stravinski foi impedido de terminar o curso, e recebeu apenas um diploma de meio-curso, em Abril de 1906. Após essa altura, concentrou-se na música. Por concelho de Nikolai Rimsky-Korsakov, provavelmente o compositor russo mais importante do seu tempo, decidiu não entrar no Conservatório de São Petersburgo; em vez disso, em 1905, começou a ter como tutor privado, duas vezes por semana, Rimsky-Korsakov, que se tornou como um segundo pai para ele.

Em 1905 ficou noivo da sua prima Katerina Nossenko, a qual conhecia desde a tenra infância. Casaram a 23 de Janeiro de 1906, e os seus primeiros dois filhos, Fyodor e Ludmilla, nasceram em 1907 e 1908 respectivamente.

Em 1909, o seu Feu d'artifice (Fogo de artifício), foi executado em São Petersburgo, estando presente Sergei Diaghilev, o director dos Ballets Russes em Paris. Diaghilev ficou impressionado o suficiente para encarregar Stravinski de levar a cabo algumas orquestrações, e compor uma partitura completa de ballet, L'Oiseau de feu ("O Pássaro de Fogo").

Stravinski viajou para Paris em 1910 para assistir à estreia d' O Pássaro de Fogo. A sua família juntou-se-lhe em breve, decidindo permanecer no Ocidente por algum tempo. Mudou-se para a Suíça, onde viveu até 1920 em Clarens e Lausana. Durante este tempo compôs mais três obras para os Ballets Russes—Petrushka (1911), escrita em Lausana, e Le Sacre du printemps ("A Sagração da Primavera") (1913) e Pulcinella, ambas escritas em Clarens.

Enquanto os Stravinskis estavam na Suíça, o seu segundo filho, Soulima (que mais tarde se tornaria um compositor menor), nasceu em 1910; e a sua segunda filha, Maria Milena, nasceu em 1913. Durante esta última gravidez, descobriu-se que Katerina tinha tuberculose, e ela foi colocada num sanatório suíço para ficar isolada. Após um breve retorno à Rússia em Julho de 1914 com o fim de recolher material de pesquisa para Les Noces, Stravinski deixou a sua terra natal e retornou à Suíça logo antes do início da I Guerra Mundial ter causado o encerramento das fronteiras. Stravinski não retornaria à Rússia por quase cinquenta anos, sendo um dos poucos representantes da comunidade Ortodoxa Oriental ou Russa vivendo na Suíça nessa altura, e é recordado nessa condição na Suíça até hoje em dia.

Stravinski tinha uma significativa relação artística com o filantropo suíço Werner Reinhart. Aproximou-se de Reinhart para obter assistência financeira quando escrevia Histoire du soldat (A História do Soldado). A primeira execução foi conduzida por Ernest Ansermet a 28 de Septembro de 1918, no Teatro Municipal de Lausana. Werner Reinhart patrocinou-o e subscreveu em grande parte esta execução. Como prova de gratidão, Stravinski dedicou a obra a Reinhart, e inclusivamente ofereceu-lhe o manuscrito original. Reinhart continuou a apoiar o trabalho de Stravinski em 1919, financiando uma série de concertos da sua mais recente música de câmara. Estes incluíam uma suíte de cinco números d' A História do Soldado, arranjadas para clarinete, violino, e piano - um piscar de olho a Reinhart, que era um excelente clarinetista amador. A suíte foi executada pela primeira vez a 8 de Novembro de 1919, em Lausana, muito antes da suíte mais conhecida para os sete instrumentos originais estar largamente difundida. Como gratidão pelo apoio continuado de Reinhart, Stravinski dedicou a sua Três Peças para Clarinete (composta em Outubro-Novembro de 1918) a Reinhart. Mais tarde Reinhart fundou uma biblioteca musical Stravinskiana na sua casa de Winterthur.

Stravinski mudou-se para a França em 1920, onde iniciou uma relação musical e de negócios com o fabricante de pianos francês Pleyel. Pleyel essencialmente actuava como seu agente recolhendo royalties mecânicas pelos seus trabalhos, e em retorno atribuia-lhe um rendimento mensal e um espaço de estúdio no qual ele podia trabalhar e receber amigos e conhecimentos de negócios.

Stravinski também arranjou (e em certa medida recompôs) muitos dos seus trabalhos iniciais para serem usados na Pleyela, a marca de pianolas de Pleyel. Stravinski fé-lo de uma maneira que utilizou totalmente as 88 notas do piano, não olhando ao número ou envergadura das mãos e dedos humanos. Estes rolos não eram gravados, mas antes marcados a partir de uma combinação de fragmentos de manuscritos e notas escritas à mão pelo músico francês, Jacques Larmanjat (director musical do departamento de rolos de Pleyel). Stravinski mais tarde alegou que a sua intenção era dar aos ouvintes uma versão final das execuções da sua música, mas como os rolos não eram gravações, era difícil avaliar quão eficaz esta intenção poderia ser na prática. Enquanto que muitas dessas obras são agora parte do reportório habitual, naquela altura muitas orquestras achavam a sua música acima das suas capacidades e indecifrável. As composições mais importantes publicadas nos rolos de piano da Pleyela incluiam A Sagração da Primavera, Petrushka, O Pássaro de Fogo, Les Noces e Canção do Rouxinol. Durante os anos 1920 Stravinski também gravou rolos Duo-Art para a Aeolian Company tanto em Londres como em Nova Iorque, dos quais nem todos sobreviveram até aos dias de hoje.

Após uma curta estadia perto de Paris, Stravinski mudou-se com a sua família para o sul da França. Regressou a Paris em 1934, passando a residir na rua Faubourg-St.Honoré. Stravinski recordaria depois esta como a sua última e mais infeliz residência europeia; a tuberculose da sua mulher infectou a sua filha mais velha, Ludmila, e o próprio Stravinski. Ludmila morreu em 1938, e Katerina no ano seguinte. Stravinski passou cinco meses no hospital, durante os quais a sua mãe também morreu.

Embora o seu casamento com Katerina tivesse durado 33 anos, o verdadeiro amor da sua vida, e mais tarde a sua companheira até à sua morte, foi a mulher que se tornou sua segunda mulher, Vera de Bosset (1888-1982). Quando Stravinski conheceu Vera em Paris em Fevereiro de 1921, ela era casada com o desenhador e pintor de cenários Serge Sudeikin, mas rapidamente começaram um affair que a levou a deixar o marido. Desde então até à morte de Katerina por cancro em 1939, Stravinski levou uma vida dupla, passando algum tempo com a sua primeira família e o resto com Vera. Katerina rapidamente soube da relação e aceitou-a como inevitável e permanente.

Durante os últimos anos em Paris, Stravinski desenvolveu relações profissionais com pessoas em lugares chave nos Estados Unidos; Já estava então a trabalhar na sua Sinfonia em C para a Orquestra Sinfónica de Chicago, e concordou em dar conferências em Harvard durante o ano académico de 1939-40. Quando a Segunda Guerra Mundial eclodiu em Setembro de 1939, Stravinski mudou-se para os Estados Unidos. Vera seguiu-o no início do ano seguinte e eles casaram-se em Bedford, MA, EUA, a 9 de Março de 1940.

Stravinski estabeleceu-se na área de Los Angeles (1260 North Wetherly Drive, West Hollywood) onde passou mais tempo como residente que em qualquer outra cidade durante a sua vida. Tornou-se um cidadão naturalizado em 1946. Stravinski tinha-se adaptado à vida em França, mas mudar-se para a América aos 58 anos era uma perspectiva muito diferente. Duarante algum tempo, conservou um círculo de amigos e contactos russos emigrados, mas eventualmente descobriu que isto não sustentava a sua vida intelectual e profissional. Foi arrastado para a crescente vida cultural de Los Angeles, especialmente durante a II Guerra Mundial, quando tantos escritores, músicos, compositores, e maestros estabelecidos na área; estes incluíam Otto Klemperer, Thomas Mann, Franz Werfel, George Balanchine e Arthur Rubinstein. Vivia relativamente perto de Arnold Schoenberg, embora não tivesse uma relação próxima com ele. Bernard Holland assinala que Stravinski era especialmente apreciador dos escritores britânicos que muitas vezes o visitavam em Beverly Hills, "como W. H. Auden, Christopher Isherwood, Dylan Thomas (que compartilhava o gosto do compositor por pessoas de espírito endurecido) e, especialmente, Aldous Huxley, com o qual Stravinski falava em francês." Estabeleceu a sua vida em Los Angeles, e por vezes conduziu concertos com a Orquestra Filarmónica de Los Angeles no famoso Hollywood Bowl, e também através dos EUA. Quando planeou escrever uma ópera com W. H. Auden, a necessidade de adquirir maior familiaridade com o mundoanglófono[carece de fontes?] coincidiu com o seu encontro com o maestro e musicólogo Robert Craft. Craft viveu com Stravinski até a morte do compositor, actuando como intérprete, cronista, maestro assistente e em incontáveis tarefas sociais e musicais.

A 15 de Abril de 1940, o excêntrico sétimo acorde maior de Stravinski no seu arranjo da The Star-Spangled Banner levou à sua prisão pela polícia de Boston por violar a lei federal que proibia a rearmonização do Hino Nacional.

Em 1959, Stravinski recebeu o Sonning Award, a mais alta honra musical da Dinamarca. Em 1962 aceitou um convite para regressar a Leninegrado (hoje São Petersburgo) para uma série de concertos. Teve uma conversa de mais de duas horas com o líder soviético Nikita Khrushchev, que o instou a retornar à União Soviética.[carece de fontes?] Apesar do convite, Stravinski continuou estabelecido no Ocidente.

Em 1969 mudou-se para Nova Iorque, passando os seus últimos anos na Essex House. Dois anos depois, com a idade de 88 anos, morreu em Nova Iorque e foi enterrado em Veneza na ilha cemitério de San Michele. A sua sepultura está próxima do túmulo do seu colabor de longa data, Sergei Diaghilev. A vida profissional de Stravinski havia compreeendido a maior parte do século XX, incluindo muitos dos estilos musicais clássicos modernos, e influenciou compositores tanto durante como após a sua vida. Tem uma estrela na Calçada da Fama em 6340 Hollywood Boulevard, e recebeu postumamente o Grammy Award por Lifetime Achievement em 1987.

Stravinski exibiu um desejo inexaurível de explorar e aprender sobre arte, literatura e vida. Este desejo manifestou-se um muitas das suas colaborações em Paris. Não só foi o principal compositor para os Ballets Russes de Sergei Diaghilev, como ainda colaborou com Pablo Picasso (Pulcinella, 1920), Jean Cocteau (Oedipus Rex, 1927) e George Balanchine (Apollon musagète, 1928). Os seus gostos em literatura foram vastos, e reflectiram o seu desejo constante por novas descobertas. Os textos e fontes literárias para o seu trabalho começaram com um período de interesse no folclore russo, progredindo para autores clássicos e para a liturgia latina, e continuou para a França contemporânea (André Gide, em Persephone) e eventualmente a literatura inglesa, incluindo Auden, T. S. Eliot e poesia inglesa medieval. No final da sua vida, encenou as escrituras hebraicas em Abraão e Isaac.

Os patronos estavam sempre por perto. No início dos anos 1920, Leopold Stokowski deu apoio regular a Stravinski sob a capa de "benfeitor" usando um pseudónimo. O compositot era também capaz de atrair encomendas: muito do seu trabalho depois d' O Pássaro de Fogo foi escrito para ocasiões específicas e foi pago generosamente.

Stravinski demonstrou ser adepto de desempenhar o papel de "homem do mundo", adquirindo um instinto aguçado em matéria de negócios, e parecendo à vontade e confortável em muitas das maiores cidades do mundo. Paris, Veneza, Berlim, Londres, Amsterdão e Nova Iorque foram todas anfitriãs de aparições bem sucedidas do pianista e maestro. Muitas das pessoas que o conheciam de um modo ligado às suas exibições referiram-no como educado, cortês e atencioso. Por exemplo, Otto Klemperer, que conhecia bem Arnold Schoenberg, disse que sempre tinha achado Stravinski muito cooperativo e fácil de lidar. Ao mesmo tempo, tinha um assinalado desprezo por aqueles que ele percebia como seus inferiores sociais: Robert Craft ficava embaraçado pelo seu hábito de bater num copo com um garfo e chamar à atenção em voz alta em restaurantes.

Embora fosse um notório cortejador (que era tinha rumor de ter affairs com parceiras de alto nível como Coco Chanel), Stravinski era também um homem da família, que dedicava uma quantidade considerável do seu tempo e proveito aos seus filhos e filhas.

Stravinski foi também um membro devoto da Igreja Ortodoxa Russa durante toda a sua vida, comentando certa vez, "A música louva Deus. A música é tão bem ou melhor capaz de louva-Lo que o edifício da igreja e toda a sua decoração; é o maior ornamento da Igreja."

A carreira de Stravinski pode ser dividida em três períodos:

Período russo (1908-1919)

Excluindo trabalhos anteriores menores, o primeiro período começou com Feu d'artifice e atingiu proeminência com os três balés compostos para Diaghilev. Tais três trabalhos compartilhavam diversas características: foram compostas para uma orquestra extremamente grande, usavam temas folclóricos russos e eram influenciadas pela obra de Rimsky-Korsakov.

O primeiro dos balés, Pássaro de Fogo (L’Oiseau de Feu, 1910) é notável por sua orquestração imaginativa. Petrushka (1911) é o primeiro balé a mostrar a mitologia folclórica. No terceiro balé, A Sagração da Primavera (Le Sacre du Printemps, 1913), o compositor tentou mostrar a brutalidade da Rússia pagã, que inspirou temas violentos através da obra.

Outras obras do período incluem Le Rossignol, Renard (1916), Histoire du soldat e Les Noces.

Período neoclássico (1920-1954)

A próxima fase de Stravinski estendeu-se de 1920, quando ele adoptou o idioma musical semelhante ao clássico, até 1954, quando ele se voltou ao dodecafonismo. Pulcinella (1920) e o Octet (1923) para instrumentos de sopro são as primeiras composições do autor a apresentar sua revisão da música de Mozart e Bach e seus contemporâneos. Para o seu estilo neoclássico, o compositor abandonou as orquestras grandes exigidas pelos balés, voltando-se para os instrumentos de sopro, ao piano, ao coral e às obras de câmara.

Outros trabalhos incluem a oratória Oedipus Rex (1927) e Apollon musagète (1928). Trabalhos desse período incluem três sinfonias: Sinfonia dos Salmos (1930), Sinfonia em C (1940) e Sinfonia em Três Movimentos (1945). Apollon, Persephone (1933) e Orpheus (1947) exemplificam não somente o retorno de Stravinski ao clássico, mas também a exploração de temas antigos como a mitologia grega. O compositor terminou o seu último trabalho neoclássico em 1951, a ópera A Carreira do Devasso, para o libreto de W. H. Auden baseado na obra de Hogarth.

Período serialista (1954-1968)

Stravinski começou a usar técnicas de composição seriais, incluindo o dodecafonismo de Arnold Schönberg, a partir da década de 1950, encorajado por Robert Craft. Realizou experimentos com trabalhos de pequena escala para voz e câmara como Cantata (1952), Septet (1953) e Three Songs from Shakespeare (1953). Agon (1954–57) é o primeiro trabalho a incluir o dodecafonismo, sendo expandido em Threni (1958), A Sermon, a Narrative, And a Prayer (1961) e The Flood (1962), baseados em textos bíblicos. Agon é um balé coreografado para doze dançarinos, e representa uma importante transição entre o neo-clássico ao serial.

Outras obras do período incluem Movimentos (1959), Variações (1960) e Réquiem (1966).

Para ouvir

http://www.youtube.com/watch?v=Mta3-sGMi5Q

STRAUSS, JOHANN II

Johann Strauss II (25 de outubro de 1825, St. Ulrich (agora parte de Neubau) - 3 de junho de 1899, em Viena, também conhecido como Johann Baptist Strauss e Johann Strauss Jr., Johann Strauss ou o Jovem) foi um compositor austríaco de música ligeira, nomeadamente da música de dança e operetas. Compôs mais de 500 valsas, polcas, quadrilhas, e outros tipos de música de dança, bem como várias operetas e um balé. Em vida, era conhecido como "O Rei Waltz", e foi largamente responsável pela popularidade da valsa, em Viena, durante o século 19.

Strauss era filho de Johann Strauss I, outro compositor da música de dança. Seu pai não queria que ele se tornasse um compositor, mas sim um banqueiro, mas o filho desafiou a vontade de seu pai, e passou a estudar música com o compositor Joseph Drechsler e violino com Anton Kollmann, do ballet da corte de Viena Opera. Strauss tinha dois irmãos mais novos, Josef e Eduard Strauss, que se tornaram compositores de música ligeira, apesar de nunca terem ficado tão bem conhecidos como o seu irmão mais velho.

Algumas das mais famosas obras de Johann Strauss incluiem as valsas o Danúbio Azul, Kaiser-Walzer, Contos dos Bosques de Viena, o Tritsch-Tratsch-Polka, e o Neue Pizzicato Polka. Entre suas operetas, Die Fledermaus e Der Zigeunerbaron são os mais conhecidos.

Strauss nasceu em Viena, na Áustria, em 25 de Outubro de 1825,  filho do famoso compositor Johann Strauss I. Seu pai não queria que ele se tornar um músico, mas sim um banqueiro; no entanto, Strauss Junior estudou violino secretamente em criança , ironicamente com o primeiro violinista da orquestra do seu pai, Franz Amon. Quando o pai descobriu o seu filho praticando secretamente num violino, um dia, deu-lhe umas chicotadas, Parece que em vez de tentar evitar uma rivalidade Strauss, o mais velho Strauss só queria que seu filho fugisse aos rigores da vida de um músico. Foi só quando o pai abandonou a família por uma amante, Emilie Trampusch, que o filho foi capaz de se concentrar completamente numa carreira como compositor, com o apoio de sua mãe.

Strauss estudou contraponto e harmonia com o professor Joachim Hoffmann, que possuía uma escola de música privada. O seu talento foi reconhecido também pelo compositor Joseph Drechsler, que lhe ensinou exercícios de harmonia. Outro seu professor de violino foi, Anton Kollmann, que era o répétiteur de balé da Ópera Court de Viena, que também escreveu depoimentos excelentes para ele. Armado com estes, ele abordou as autoridades vienenses para solicitar uma licença para executar. Inicialmente, ele formou a sua pequena orquestra, onde recrutou os seus membros na taverna Belgrad Zur Stadt, onde os músicos que procuravam trabalho poderiam ser contratados facilmente.

A influência de Johann Strauss I sobre os estabelecimentos de entretenimento local fez com que muitos tivessem receio de oferecer ao jovem Strauss um contrato, com receio de irritar o pai. Strauss Jr. foi capaz de persuadir o Casino Dommayer em Hietzing, um subúrbio de Viena, para lhe permitir realizar. O  velho Strauss, com raiva pela desobediência de seu filho, sempre se recusou a tocar no Casino da Dommayer novamente, e que tinha sido o local de muitos de seus triunfos anteriores.

Strauss fez sua estreia na Dommayer em outubro de 1844, onde apresentou algumas de suas primeiras obras, como as valsas "Sinngedichte", op. 1 e "Gunstwerber", op. E 4 a polca "Herzenslust", op. 3. Os críticos e a imprensa foram unânimes nos seus elogios para a música de Strauss.

Apesar do alarde inicial, Strauss encontrou dificuldades nos seus primeiros anos como compositor, mas logo conquistou o público depois de aceitar encomendas para realizar fora de casa. O primeiro compromisso importante para o jovem compositor foi o prémio honorário da posição de "Kapellmeister of the 2nd Vienna Citizen's Regiment", que tinha sido deixado vago após a morte de Joseph Lanner, dois anos antes.

Viena foi abalada por uma revolução burguesa em 24 de fevereiro de 1848, e a rivalidade intensa entre pai e filho tornou-se muito mais evidente. Johann Jr. decidiu  ficar do lado dos revolucionários. Foi uma decisão que lhe foi desfavorável profissionalmente, pois a realeza austríaca duas vezes negou-lhe o tão cobiçado "posição KK Hofballmusikdirektor', que foi destinado especialmente para Johann I, em reconhecimento de suas contribuições musicais. Além disso, o jovem Strauss também foi detido pelas autoridades vienens es ao tocar para o público La Marseillaise, mas foi posteriormente absolvido.O ancião Strauss permaneceu fiel à monarquia, e compôs a sua "Radetzky March", op. 228 (dedicado ao Marechal de Campo Habsburg Joseph Radetzky von Radetz), que se tornaria uma de suas mais conhecidas composições.

Quando o velho Strauss morreu de escarlatina em Viena, em 1849, o jovem Strauss mesclou ambas as suas orquestras e envolveu-as em circuitos mais distantes. Mais tarde, também compôs uma série de marchas patrióticas dedicadas ao monarca Habsburgo Franz Josef I, tais como o Kaiser Franz-Josef Marsch op. 67 e do Kaiser Franz Josef Rettungs Jubel-Marsch op. 126, provavelmente para agradar aos olhos do novo monarca, que subiu ao trono austríaco após a revolução de 1848.

Strauss Jr. superou fama de seu pai, e tornou-se um dos mais populares compositores de valsa da época, excursionando extensivamente Austro-Hungria, Polónia e Alemanha, com sua orquestra. Candidatou-se para o Hofballmusikdirektor KK Hofballmusikdirektor Music Director of the Royal Court Balls , que acabou por atingir em 1863, depois de ter sido recusado várias vezes antes de seus problemas freqüentes com as autoridades locais.

Em 1853, devido às constantes exigências físicas e mentais, Strauss sofreu um colapso nervoso. Tve um período de sete semanas de férias no campo, no verão daquele ano, a conselho dos médicos. Josef Johann irmão mais novo foi convencido pela família a abandonar sua carreira como engenheiro e assumir o comando da orquestra de Johann, na ausência deste último.

Em 1855, Strauss aceitou comissões de gestão do Tsarskoye Selo-Companhia Ferroviária de São Petersburgo para tocar na Rússia, no Pavilhão da Vauxhall em Pavlovsk em 1856. Ele, mais tarde, voltou a actuar na Rússia, uma vez por cada ano até 1865.

Mais tarde, em 1870, Strauss e a sua orquestra excursionou pelos Estados Unidos, onde participou no Festival de Boston, a convite do maestro Patrick Gilmore e foi o condutor de ligação num 'Monster Concert "de mais de 1000 artistas, apresentando o seu "Danúbio Azul", entre outras peças, com grande sucesso.

Strauss casou-se com a cantora Jetty Treffz em 1862, e permaneceram juntos até a morte de Jetty em 1878. Seis semanas depois de sua morte, Strauss casou-se com a atriz Angelika Dittrich. Angelika não era uma fervorosa apoiante da sua música, e as suas diferenças de estatuto e de opinião, e especialmente a sua indiscrição, levaram-no a pedir o divórcio.

A Strauss não foi concedido o divórcio pela Igreja Católica Romana e, portanto, mudou de religião e nacionalidade, e tornou-se um cidadão de Saxe-Coburgo-Gotha, em janeiro de 1887. Strauss buscou consolo na sua terceira esposa, Adele, com quem se casou em Agosto de 1882, e ela incentivou o talento criativo de fluxo, uma vez mais em seus últimos anos, resultando em muitas composições famosas, como as operetas Der Zigeunerbaron e Waldmeister, e as valsas "Kaiser-Walzer", op. 437, "Kaiser Jubiläum", op. 434, e "Klug Gretelein", op. 462. 

Strauss foi o mais procurado compositor da música de dança na segunda metade do século 19, uma forte concorrência estava presente na forma de Karl Michael Ziehrer e Émile Waldteufel, este último detinha uma posição dominante em Paris. Phillip Fahrbach também negou a Strauss uma posição de comamndo da KK Hofballmusikdirektor quando o último indicado pela primeira vez para o cargo. O alemão Jacques Offenbach, compositor de opereta, que fez o seu nome em Paris, também representa um desafio para Strauss, no campo de opereta.

Strauss era admirado por outros compositores de destaque: Richard Wagner, uma vez admitiu que gostava da valsa Wein, Weib und Gesang Op. 333. Richard Strauss (sem relação com a família Strauss), ao escrever a sua valsa Rosenkavalier, disse em referência à Johann Strauss: "Como  poderia eu esquecer o génio de Viena rindo?" 

Johannes Brahms foi um amigo pessoal de Strauss, e ao qual este último dedicou a sua valsa "Umschlungen Seid, Millionen!, Op. 443.

As mais famosas operetas de Strauss são: Die Fledermaus, Eine Nacht in Venedig, e Der Zigeunerbaron. Não obstante a sua falta de popularidade moderna, há peças de dança que foram retiradas de muitos temas das suas operetas, como "Cagliostro-Walzer", op. 370 (a partir de Cagliostro em Viena), "O Schöner Mai" Walzer op. 375 (a partir Prinz Methusalem), "Rosen aus dem Süden" Walzer op. 388 (a partir Das Spitzentuch der Königin), e "Kuss-Walzer op. 400 (de Der Lustige Krieg), que  se mantiveram na obscuridade e depois se tornaram conhecidas. Strauss também escreveu uma ópera, Ritter Pasman, e estava no meio de compor uma opereta, Aschenbrodel, quando morreu em 1899.

A Strauss foi diagnosticada uma pneumonia dupla, na primavera de 1899, e morreu em 3 de junho de 1899, aos 73 anos de idade. Foi enterrado no Zentralfriedhof.

Para ouvir
http://www.youtube.com/watch?v=4YBhKx1bkEM&feature=PlayList&p=A38E80FE0D2D6E13&index=25

STRAUSS, JOHANN I

Johann Strauss I ou Johann Baptist Strauss (14 de março de 1804 - 25 de setembro de 1849; , nascido em Viena, foi um  compositor  austríaco Romântico famoso pelas suas valsas, e por popularizá-las ao lado de Joseph Lanner, criando assim as bases para os seus filhos continuarem a sua dinastia musical. A sua obra mais famosa é, provavelmente, a Marcha Radetzky (em homenagem a Joseph Radetzky von Radetz), enquanto a sua valsa mais famosa é provavelmente o Lorelei Rheinklänge op. 154.

Johann Strauss foi o pai de Johann Strauss II, Josef Strauss e Eduard Strauss, que tinha um filho chamado Johann Strauss III, nascido em 1866. Ele também tinha duas filhas, Anna, que nasceu em 1829, e Teresa, que nasceu em 1831. O seu filho mais novo, Fernando, nascido em 1834, viveu apenas dez meses. Os pais de Strauss, Franz Borgias Strauss (10 de outubro de 1764 - 5 de abril de 1816) e Barbara Dollmann (3 de dezembro de 1770 - 28 de agosto de 1811), foram estalajadeiros. Strauss tinha um avô judeu húngaro, Michael Johann Strauss (1720-1800), que se converteu ao catolicismo.

A tragédia golpeou a sua família quando a sua mãe morreu de "febre insidiosa 'quando ele tinha sete anos. Quando ele tinha 12 anos, seu pai, Franz Strauss Borgias foi descoberto afogado, possivelmente por suicídio, no rio Danúbio. O seu tutor, o alfaiate Anton Müller, colocou-o como aprendiz de encadernador de Johann Lichtscheidl; Strauss teve aulas de violino e viola, além de cumprir o seu aprendizado. Ao contrário de uma história mais tarde contada pelo seu filho, Johann Junior., ele nunca desistiu da sua aprendizagem de encadernador e de facto concluíu-a com êxito, em 1822. Também estudou música com Johann Polischansky durante a sua aprendizagem e, finalmente, conseguiu assegurar um lugar numa orquestra local de Michael Pamer que ele finalmente deixou a fim de participar num quarteto de cordas popular conhecido como o Quarteto Lanner, formado pelo seu futuro rival Joseph Lanner e os irmãos Drahanek, Karl e Johann. Este quarteto de cordas tocando valsas vienenses e danças rústicas alemãs expandiu-se para uma pequena orquestra de cordas em 1824.

Tornou-se vice-regente da orquestra de Lanner para auxiliar nas comissões depois que se tornou tão popular durante o Fasching (Carnaval) de 1824 e Strauss logo foi colocado no comando de uma segunda orquestra que foi formada como um resultado do sucesso da orquestra principal. Em 1825, decidiu formar a sua própria banda e começou a escrever música (principalmente música de dança) para poder tocar, depois percebeu que também poderia, eventualmente, imitar o sucesso de Lanner, além de pôr fim aos seus problemas financeiros. Ao fazê-lo, ele teria feito de Lanner um sério rival, embora a rivalidade não tivesse consequências hostis, pois que a competição musical foi muito produtiva para o desenvolvimento da valsa, bem como outras  músicas de dança, em Viena. Logo se tornou um dos mais conhecidos e bem amados compositores de dança em Viena, e viajou com sua banda pela Alemanha, Holanda, Bélgica, Inglaterra e Escócia. As rédeas na condução e gestão desta "Strauss Orchestra" viria a ser passada para as mãos de seus filhos diversas vezes até a sua dissolução por Eduard Strauss, em 1901.

Numa viagem a França, em 1837, ouviu a quadrilha e começou a compor  ele mesmo, transformando-se em grande parte responsável pela introdução da dança na Áustria no Fasching de 1840, onde se tornou muito popular. Foi esta viagem (em 1837) que provou a popularidade de Strauss com platéias de diferentes origens sociais e isso abriu caminho para a criação de um ambicioso plano para executar a sua música na Inglaterra para a coroação da Rainha Vitória em 1838. Strauss também adaptou várias melodias populares na época em trabalhos seus, de forma a garantir um público mais vasto, como evidenciado na incorporação da abertura Oberon na sua valsa Wiener Carneval op. 3 e também o hino nacional francês "La Marseillaise" no seu Paris-Walzer op. 101.

Johann Strauss I, 1837Strauss casou com Maria Anna Streim em 1825, na igreja paroquial de Liechtenthal em Viena. O seu casamento foi relativamente instável pelas ausências prolongadas de sua família  devido às freqüentes turnês no exterior levando a um afastamento gradual e, mais tarde, teve uma amante, Emilie Trampusch, em 1834, com quem teve seis filhos. Esta decisão pessoal marcou a convicção de Anna Strauss quanto ao desenvolvimento de Johann Strauss II como compositor, como Johann Senior havia proibido os seus filhos para realizar estudos de música em qualquer ponto do tempo. Com a declaração aberta da paternidade de Johann Senior de uma filha nascida de Emilie, Anna Maria pediu o divórcio em 1844, e isso efectivamente permitiu a Johann Junior prosseguir activamente uma carreira musical. Strauss I era um disciplinador severo, chamado 'Hirschenhaus' mais conhecido em Viena como "Goldener Hirsch '(The Golden Stag), e impôs a sua vontade em seus filhos a seguirem carreiras que não fossem relacionadas com a música. Da mesma forma, o seu irmão Josef Strauss foi destinado a uma carreira militar ao passo que o mais jovem Eduard Strauss era esperado para se juntar ao consulado austríaco.

Apesar dos problemas familiares, também visitou as ilhas britânicas com freqüência e sempre preparado para escrever peças novas para muitas organizações de caridade. As suas valsas foram sendo desenvolvidos a partir de uma dança  camponesa rústica em que a posteridade reconheceria como a valsa vienense.

Strauss II tocou frequentemente obras de seu pai e declarou abertamente sua admiração por elas, embora não fosse segredo para os vienenses que a rivalidade entre os dois foi intensa, com a imprensa naquele momento alimentando-a . Em 1846, Johann Strauss I recebeu o título honorário de KK Hofballmusikdirektor (Director de Música para a Corte Imperial e Real Balls) pelo imperador Fernando I.

Strauss morreu em Viena em 1849, de escarlatina obtida a partir de um de seus filhos ilegítimos. Foi enterrado no cemitério Döblinger ao lado de seu amigo Joseph Lanner. Em 1904, os seus restos mortais foram transferidos para as sepulturas de honra no Zentralfriedhof. O antigo Cemitério Döblinger é agora uma Strauss-Lanner Park. Hector Berlioz prestou homenagem ao "Pai da Valsa", comentando que" Viena sem Strauss é como a Áustria sem o Danúbio".

OBRAS

Waltzes
Täuberln-Walzer op. 1 Little Doves (1827)
Döblinger Réunion-Walzer op. 2 Dobling Reunion Waltz
Wiener Carneval op. 3 Viennese Carnival (1828)
Kettenbrücke-Walzer op. 4 Suspension Bridge (1828)
Gesellschafts-Walzer op. 5 Association’s Waltz
Wiener Launen-Walzer op. 6 Vienna Fancies Waltz
Tivoli-Rutsch Walzer op. 39 Tivoli-Slide (1830)
Das Leben ein Tanz oder Der Tanz ein Leben! Walzer op. 49 Life is a Dance
Elisabethen-Walzer op. 71
Philomelen-Walzer op. 82
Paris-Walzer op. 101 (1838)
Huldigung der Königin Victoria von Grossbritannien op. 103 Homage to Queen Victoria of Great Britain
Wiener Gemüths-Walzer op. 116 Viennese Sentiments (1840)
Lorelei Rhein Klänge op. 154 Echoes of the Rhine Loreley (1843)

Polkas
Seufzer-Galopp op. 9 Sighing
Chineser-Galopp op. 20 Chinese
Einzugs-galopp op. 35 Entrance Galopp
Sperl-Galopp op. 42
Fortuna-Galopp op. 69
Jugendfeuer-Galopp op. 90 Young Spirit
Cachucha-Galopp op. 97
Indianer-Galopp op. 111 Red Indian Galopp
Sperl-Polka op. 133
Beliebte Annen-Polka op. 137 Beloved Anna
Piefke und Pufke Polka op. 235

Marches
Radetzky-Marsch op. 228 (1848)
Jelačić-Marsch op. 244

Para ouvir
http://www.youtube.com/watch?v=9zlE5ipwna8&feature=PlayList&p=C6C23736BDF6967C&index=0&playnext=1

STRAUSS, RICHARD

Richard Georg Strauss (Munique, 11 de junho de 1864 - Garmisch-Partenkirchen, 8 de setembro de 1949) foi um compositor e maestro alemão. É considerado um dos mais destacados representantes da música entre o final da Era Romântica e o início da Idade Moderna.

O seu pai, Franz Strauss, era primeiro trompista da orquestra da Ópera de Munique, tendo participado da estreia de Tristão e Isolda e Die Meistersinger, sendo muito elogiado pelo próprio Wagner, que gostava de ouvi-lo tocar solos das partes de trompa das suas óperas e pediu-lhe que revisasse as partes desse instrumento na partitura de Siegfried. Ainda criança, Strauss estudou violino e harpa com membros dessa mesma orquestra, e antes de completar dez anos, já havia escrito uma serenata para instrumentos de sopro.

Em 1885 Richard Strauss tornou-se assistente do célebre regente Hans von Bülow em Meiningen e, um mês mais tarde, tornou-se regente titular daquela orquestra. Foi também director da Ópera de Weimar (1886), Berlim (1898), e Viena (1919-1924).

Em 1894 foi convidado por Cosima Wagner a reger Tannhäuser em Bayreuth, tornando-se amigo da viúva de Wagner.

Entre 1886 e 1898 Richard Strauss assombrou o mundo com uma série de poemas sinfónicos e sinfonias. Em 1893 casou-se com a soprano Pauline de Ahna, a primeira a cantar o papel de Freihild na sua primeira ópera, Guntram. Mas quando ele conheceu o poeta Hugo von Hofmannsthal por volta de 1909, uma nova fase se abriu na produção musical de Richard Strauss, dedicada principalmente à ópera.

Durante a Primeira Guerra Mundial, Richard Strauss foi ardente partidário da dinastia dos Hohenzollern. Apesar disso, durante a década que se seguiu à derrota da Alemanha, o músico foi acolhido internacionalmente com calor e respeito.

Em 1923 Richard Strauss esteve no Brasil, onde deu memoráveis concertos no Rio de Janeiro e em São Paulo.

Após a subida ao poder de Hitler (1933), Richard Strauss aceitou ser nomeado director do Reichsmusikkammer (1934). Isso tem levado a suspeitas de simpatia com o nazismo, o que fez com que o compositor sofresse o desdém de outros músicos que protestaram veementemente contra o regime nazi, entre os quais Toscanini, Arthur Rubinstein e Otto Klemperer. Vale notar, porém, que Richard Strauss não era anti-semita. Isso pode ser provado pelo facto de ele ter colaborado com um escritor judeu, Stefan Zweig, autor do libreto de uma de suas óperas, Die Schweigsame Frau (Stefan Zweig mudou-se para o Rio, onde cometeu suicídio), e pelo facto de que ele fez tudo para defender sua nora, que era judia. Após a derrota de Hitler em 1945, os Aliados instalaram na Alemanha um comitê de desnazificação, e Richard Strauss foi chamado a depor, mas o tribunal inocentou-o de qualquer filiação ao partido nazi. Convidado a reger os seus concertos em Londres em 1947, foi recebido entusiasticamente.

Pouco depois, Richard Strauss compôs a sua última obra, Vier Letzte Lieder ("Quatro Últimas Canções"). Morreu pacificamente na sua casa em Garmish-Partenkirchen, a 8 de setembro de 1949.

Como compositor de óperas, pode-se dizer que a maioria das óperas de Richard Strauss tem por título um nome de mulher e está centrada num personagem feminino. O mesmo acontece com Puccini, mas há uma diferença. As heroínas de Puccini são criaturas dóceis e submissas, inteiramente dedicadas aos seus amantes, a quem são fiéis até à morte, com excepção de Turandot. Já nas óperas de Richard Strauss há todo tipo de mulher: a revoltada como Elektra; a megera, protótipo da femme fatale (Salomè); a doçura, a sabedoria e a delicadeza da Marechala de Der Rosenkavalier; a mulher doente de amor (Ariadne auf Naxos); o bom gosto e o refinamento da Condessa Madeleine em Capriccio, incapaz de escolher entre um poeta e um músico - e Strauss aproveita para fazer a apologia da poesia e da música, as duas artes irmãs nesta ópera. Um subtítulo geral para as óperas de Richard Strauss poderia ser "a mulher no divã" ou psicanálise feminina. O poeta Hugo von Hofmannsthal, amigo do compositor, compartilhava dos mesmos gostos e das mesmas tendências, eis por que a colaboração entre os dois foi tão frutífera.

Musicalmente, Richard Strauss levou a atonalidade a paroxismos de histeria em Salomè e, principalmente, em Elektra, a mais atonal das partituras do compositor. No entanto, em Der Rosenkavalier, ele resolveu voltar atrás, misturando valsas e suaves melodias tonais com todo o arrojo das tendências musicais contemporâneas, e este foi mais ou menos o caminho que ele trilhou até o fim. Strauss nunca escondeu que seus compositores favoritos eram Wagner e Mozart, e de facto encontramos forte influência de ambos nas partituras de Richard Strauss, o que não impede que ele seja uma personalidade musical única.

Strauss deixou estas reflexões, através das quais penetramos na sua mente e nas idéias que o norteavam, especialmente no que se refere à composição operística:

Quando somos jovens, imagina-se que um libreto só é interessante se contém cenas violentas e assassinatos terríveis. "Depois começa-se a compreender que também nos pequenos acontecimentos da vida quotidiana há coisas que merecem ser notadas e exaltadas com intenso lirismo. É preciso aprender a descobrir quanto existe de profundo nos factos e nas coisas que parecem humildes. Debaixo de um manto de púrpura muitas vezes vive uma mesquinha criatura; sob a roupa desalinhada de um pequeno burguês dos nossos dias palpita às vezes um coração de herói. Temos que nos curar da mania do heroísmo cenográfico, e especialmente renunciar aos venenos, aos punhais e aos incestos".

OBRAS

Poemas sinfónicos

Aus Italien (1886)

Macbeth (1886-88)

Don Juan (1889)

Morte e Transfiguração (1891)

Also sprach Zarathustra (Strauss) (1891)

Till Eulenspiegels lustige Streiche (1895)

Sinfonia Doméstica (1904)

Der Bürger als Edelmann (1912)

Uma Sinfonia Alpina (1915)

Óperas

Guntram (1894)

Feuersnot (O Juízo de Fogo) (1901)

Salomè (1905)

Elektra (1909)

Der Rosenkavalier (O Cavaleiro da Rosa) (1911)

Ariadne auf Naxos (Ariadne na Ilha de Naxos) (1916)

Die Frau ohne Schatten (A Mulher sem Sombra) (1918)

Die Ägyptische Helena (A Helena Egípcia) (1928)

Arabella (1933)

Die schweigsame Frau (A Mulher Silenciosa) (1935)

Friedenstag (O Dia da Paz) (1938)

Daphne (1938)

Capriccio (1942)

Die Liebe der Danae (Os Amores de Danae) (1952, a data da estréia póstuma)

Peças solísticas

Concerto para violino (1880-82)

Concerto para trompa no.1 (1882-83)

Burleske para piano (1885-86)

Concerto para trompa no.2 (1942)

Concerto para oboé (1945)

Duo concertino para clarinete e fagote (1947

Para ouvir
http://www.youtube.com/watch?v=-eKlmv5Baa4

SPAOHR, LOUIS

Louis Spohr (5 de Abril de 1784 – 22 de Outubro de 1859) foi um compositor alemão, violinista e regente. Nascido Ludwig Spohr, ele sempre é conhecido pela forma francesa do nome fora da Alemanha

Spohr nasceu em Braunschweig no ducado de Brunswick-Lüneburg. Era filho de Karl Heinrich Spohr e Juliane Ernestine Luise Henke e durante toda a infância mostrou talento para o violino. Entrou para a orquestra ducal com a idade de 15 anos. Três anos depois foi enviado com o apoio do duque de Brunswick, numa viagem de um ano inteiro para São Petersburgo com o violinista virtuoso Franz Anton Eck. As primeiras composições notáveis de Spohr, incluindo o seu primeiro concerto para violino datam desta época. Depois de sua volta para a casa, o duque concedeu-lhe uma licença para uma tournée de concertos no norte da Alemanha. Um concerto em Leipzig em Dezembro de 1804 impressionou o influente crítico de música Friedrich Rochlitz, não apenas pela habilidade técnica de Spohr mas também pelas suas composições. Este concerto deu ao jovem fama instantânea em todo o mundo de fala alemã.

Em 1805, Spohr foi contratado como mestre de concerto na corte de Gota, onde ficou até 1812. Lá, conheceu a harpista de 18 anos de idade Dorette Scheidler, filha de um dos cantores da corte, e apaixonou-se por ela. Casaram-se no ano seguinte. Apresentaram-se com sucesso juntos como um duo de violin e harpa, viajando pela Italia (1816-1817), Inglaterra (1820) e Paris (1821), mas Dorette posteriormente abandonou a carreira de harpista e concentrou-se em criar os filhos. A sua morte prematura em 1834 trouxe-lhe grande dor.

Spohr então trabalhou como regente no Theater an der Wien, Viena (1813-1815), onde ele se tornou amigo de Beethoven; subseqüentemente foi o director de ópera em Frankfurt (1817-1819) onde pôde produzir as próprias óperas — a primeira das quais, Faust, havia sido rejeitada em Viena. O mais longo cargo de Spohr, de 1822 até a morte em Kassel, foi como director de música na corte de Kassel, uma posição oferecida a ele por sugestão de Carl Maria von Weber. Em Kassel em 3 de Janeiro de 1836, ele casou-se com a sua segunda esposa, Marianne Pfeiffer, de 29 anos de idade. Ela viveu muito tempo depois da morte de Spohr, até 1892.

Como Haydn, Mozart, Beethoven, e seu contemporâneo Johann Nepomuk Hummel, Spohr era activo como maçom.

Um compositor prolífico, Spohr produziu mais que 150 obras com número de opus, além de muitas obras sem tais números. Escreveu música em todos os gêneros. As suas nove sinfonias (uma décima, inacabada, porém completada por Eugene Minor e estreada Bergen Youth Orchestra) mostra progresso do estilo clássico de seus predecessores à Música de Programa da nona sinfonia, Die Jahreszeiten (As Quatro Estações). Entre 1803 e 1844 Spohr escreveu mais concertos para violino do que qualquer outro compositor da época. Dezesseis ao todo. Alguns deles são formalmente inconvencionais, tais como o Concerto de Um Único movimento No. 8, o qual é no estilo de uma ária de ópera, e que periodicamente é revivido (Jascha Heifetz foi o maior executor deste), mais recentemente em uma gravação de 2006 por Hilary Hahn. Há dois concertos para dois violinos também. Melhor conhecidos hoje, todavia, são os quatro concertos de clarinete, todos escritos para o virtuoso Johann Simon Hermstedt, os quais conseguiram um lugar seguro no repertório dos clarinetistas.

Na música de câmara de Spohr está uma série de nada menos do que 36 quartetos de corda, como também quatro interessantes quartetos duplos para dois quartetos de cordas. Também escreveu uma variedade de outros quartetos, duetos, tercetos, quintetos e sextetos, um octeto e um noneto, obras para violino solo ou para harpa solo, e obras para violino e harpa para serem executadas por ele e sua esposa conjuntamente.

Embora obscuras hoje, as melhores óperas de Spohr, Faust (1816), Zemire und Azor (1819) e Jessonda (1823) continuaram no repertório popular em todo o século XIX e no início do século XX ,quando Jessonda foi proibida pelos Nazis pelo facto de ela mostrar um herói europeu apaixonado por uma princesa indiana. Spohr também escreveu dúzias de canções, muitas delas coleccionadas como Deutsche Lieder (Canções alemãs), como também uma missa e outras obras corais. As suas oratórias, particularmente Die letzten Dinge (O Juízo Final) (1825—1826), foram grandemente admiradas durante o século XIX. Spohr foi tão popular na era vitoriana que Gilbert e Sullivan o incluem na mesma respiração de Bach e Beethoven no segundo acto de The Mikado, numa canção do papel título.

Spohr era um conceituado violinista, e inventou a queixeira para violinos por volta de 1820. Era também um regente significativo, sendo um dos primeiros a usar a batuta e também inventando letras de ensaio que são postas periodicamente do início ao fim de uma partitura de maneira que o regente possa economizar tempo pedindo à orquestra ou cantores para começar a executar a partir de uma letra específica.

Além de obras musicais, Spohr escreveu uma interessante e informativa autobiografia, publicada após sua morte em 1860. Há um museu dedicado à sua memória em Kassel.

Para ouvir

http://www.youtube.com/watch?v=6b_M8PS27Lc

SMETANA, BEDRICH

Bedřich Smetana, Leitomischl, Boémia Oriental, 2 de Março de 1824 - Praga, 12 de Maio de 1884, foi um compositor checo. A sua obra mais famosa é O Moldava (Vltava) do poema sinfónico Minha Pátria (Má Vlast).

Estudou piano e violino desde pequeno, e sofreu resistências da família pela opção de carreira na área da música. Estudou música em Praga e foi contratado como músico numa família de nobres. O compositor Franz Liszt, em 1848, apoiou-o para criar a sua própria escola de música.

Em Setembro de 1855, Smetana perdeu a sua filha Bedřiska, então com quatro anos de idade, perdendo outro filho nove meses depois. Deprimido, Smetana passou a dedicar-se à composição. Desta época data o seu «Trio para violino, violoncelo e piano em sol menor» (op. 15).

No ano seguinte, Smetana mudou-se para Gotemburgo, na Suécia, onde permaneceu até 1863. Durante esse período realizou muitos recitais e concertos.

Bedřich, devido à tensão nervosa e à sífilis, começou a ficar surdo em Março de 1874, aos 50 anos, aquando da estreia da sua ópera «As Duas Viúvas». Alguns meses depois, a 20 de Outubro de 1874, ficou afectado por surdez total. Ainda viveu 10 anos na mais completa surdez, compondo ainda muita música, tal como o poema sinfónico «Minha Pátria» («Má Vlast»), com a parte musical mundialmente conhecida «O Moldava» («Vltava»), em sol maior, de 1874, evocando o rio Moldava ou Vltava – afluente do rio Elba – , bem como as óperas «O Beijo» (1876), «O Segredo» (1878) e «A Parede do Diabo» (1882). Smetana é considerado como o pai da escola musical checa. Antonín Dvořák será o seu seguidor.

Smetana é, juntamente com Ludwig van Beethoven e Fauré, um dos compositores que escreveram música em total surdez.

Faleceu em 1884 num manicómio na cidade de Praga, surdo e acometido de problemas neurológicos decorrentes de sífilis.

OBRA

A maior parte da obra musical de Smetana é composta por peças de temática folclórica e nacionalista. Notabilizou-se também como compositor de óperas, todas com libreto em checo, a saber:

Braniboři v Čechách (Brandemburgueses na Boêmia)

Prodaná Nevěsta (A Noiva Vendida)

Dalibor

Libuše

Dvě Vdovy (As Duas Viúvas)

Hubička (O Beijo)

Tajemství (O Segredo)

Čertova stěna (A Parede do Diabo)

Para ouvir
http://pt.wikipedia.org/wiki/Bed%C5%99ich_Smetana

SIBELIUS, JEAN

Jean Sibelius (Hämeenlinna, 8 de dezembro de 1865 — Järvenpää, 20 de setembro de 1957) foi um compositor finlandês de música erudita, e um dos mais populares compositores do final do Século XIX e início do século XX. A sua genialidade musical também teve importante papel na formação da identidade nacional finlandesa.

Sibelius nasceu numa família que falava sueco e residia na cidade de Hämeenlinna, no Grão-Ducado da Finlândia, então pertencente ao Império Russo. O seu nome de baptismo é Johan Julius Christian Sibelius e era conhecido como Janne pela sua família, mas durante os seus anos de estudo ele teve a idéia de usar a forma francesa do seu nome, Jean, após ver uma pilha de cartões postais de seu tio Johan, o irmão mais velho de seu pai, o Dr. Christian Gustaf Sibelius, que era médico na guarnição militar de Hämenlinna. O nome Johan  fora-lhe dado em homenagem a esse tio, que era capitão de navio e tinha morrido em Havana, em 1863. O prenome Jean era usado por ele quando estava no exterior.

Significativamente, indo de encontro ao largo contexto do então proeminente movimento Fennoman e suas expressões do nacionalismo romântico, sua família deciciu mandá-lo para um importante colégio de língua finlandesa, onde freqüentou o The Hämeenlinna Normal-lycée de 1876 a 1885. O nacionalismo romântico ainda iria  tornar-se uma parte crucial na produção artística de Sibelius e na sua visão política.

A principal parte da música de Sibelius é a sua colecção de sete sinfonias. Como Beethoven, Sibelius usou cada uma delas para trabalhar uma ideia musical e/ou desenvolver o seu próprio estilo. As suas sinfonias continuam populares em gravações e salas de concerto.

Dentre as composições mais famosas de Sibelius, destacam-se:Concerto para Violino e Orquestra em ré menor (obra de grande expressão, melodiosidade profunda e virtuosismo, que goza de grande popularidade entre os violinistas e o público, tornando-se em um dos concertos para violino mais executados nas salas de concerto), Finlandia, Valsa Triste (o primeiro movimento da suíte Kuolema), Karelia Suite e O Cisne de Tuonela (um dos quatro movimentos da Lemminkäinen Suite). Outros trabalhos incluem peças inspiradas no poema épico Kalevala, cerca de 100 canções para piano e voz, música incidental para 13 peças, uma ópera (Jungfrun i tornet, A Senhora na Torre), música de câmara, peças para piano, 21 publicações separadas para coral e músicas para rituais maçônicos. Até meados de 1926 foi prolífico; entretanto, apesar de ter vivido mais de 90 anos, ele quase não completou composições nos últimos 30 anos de sua vida, após a sua Sétima Sinfonia em 1924 e o poema musicado Tapiola em 1926.

Sibelius terminou o ensino médio em 1885. Ele começou a estudar Direito na Aleksander's Imperial University em Helsinki, mas a música sempre foi a responsável pelas suas melhores notas na escola e Sibelius parou os seus estudos. De 1885 a 1889, Sibelius estudou música na escola de música de Helsinki (hoje a Sibelius Academy). Um dos seus professores foi Martin Wegelius. Sibelius continuou estudando em Berlim de 1889 a 1890, e em Viena de 1890 a 1891.

Jean Sibelius casou-se com Aino Järnefelt (1871-1969) na cidade de Maxmo em 10 de junho de 1892. A casa de Jean e Aino, a Ainola, foi concluída no Lago Tuusula, na cidade de Järvenpää, Finlândia, em 1903, onde eles viveram durante o resto de suas longas vidas. Eles tiveram seis filhas: Eva, Ruth, Kirsti (que morreu muito jovem), Katarine, Margaret e Heidi.

Em 1911 ele submeteu-se a uma séria cirurgia por suspeita de câncer na garganta; esta perspectiva de morte coloriu diversas composições suas na época, incluindo Luonnotar e a sua Quarta Sinfonia.

Sibelius amava a natureza, e o estilo "natural" freqüentemente impregnava a sua música. Sobre a sua Sexta Sinfonia, ele disse que ela "sempre lhe lembrava a queda dos primeiros flocos de neve". Dizem que as florestas ao redor da Ainola tiveram grande influência em sua composição Tapiola. Erik Tawaststjerna, biógrafo de Sibelius, disse:

«Mesmo para os padrões nórdicos, Sibelius respondeu com uma excepcional intensidade às variações da natureza e às mudanças de estações: ele cruzou os céus com o seu binóculo para ver os gansos sobrevoando o lago congelado, ouviu o grasnar dos grous e escutou os ecos do choro dos curleus sobre os brancos campos ao redor de Ainola.»

Sibelius morreu em 20 de setembro de 1957 em Ainola, onde ele está enterrado num jardim. Aino viveu ainda por doze anos até morrer em 8 de junho de 1969, sendo então enterrada junto do marido.

Em 1972, as duas filhas de Sibelius ainda vivas venderam Ainola ao Estado da Finlândia. O então Ministro da Educação, junto da Sibelius Society, transformaram-na num museu, aberto em 1974.

Sibelius fez parte de um grupo de compositores que aceitou as normas de composição do Século XIX. Como muitos de seus contemporâneos, ele apreciou Wagner, mas apenas durante certo tempo, escolhendo depois um caminho musical diferente. Pensando na ópera como impulsionador de sua carreira, Sibelius começou a estudar as partituras das óperas Tannhäuser, Lohengrin, e Die Walküre de Wagner. Ele então partiu para o Festival de Bayreuth onde ainda ouviu Parsifal, que teve grande efeito sobre ele. Ele escreveu à esposa pouco tempo depois, "nada no mundo me impressionou dessa forma, fazendo vibrar as cordas do meu coração". Sibelius então começou a trabalhar numa ópera intitulada Veneen luominen (A Construção do Barco).

Entretanto, o seu apreço por Wagner esvaiu-se, e pouco tempo depois, Sibelius rejeitou a técnica de composição de Wagner conhecida como Leitmotiv, alegando esta ser muito deliberada e calculada. Deixando a ópera, o material musical da incompleta Veneen luominen eventualmente tomou forma como a Lemminkäinen Suite, em 1893.

Outras influências primárias incluem Ferruccio Busoni, Anton Bruckner e Tchaikovsky, sendo este último particularmente evidente na Sinfonia N. 1 em Mi Menor (1899) de Sibelius, e mais tarde em seu Concerto para Violino de 1905.

Entretanto, ele progressivamente abandonou as directrizes de composição da forma-sonata no seu trabalho e, ao invés de múltiplos contrastes de temas, ele ficou na idéia de envolver continuamente células e fragmentos culminando num grande e único tema. Dessa forma, o seu trabalho pode ser visto como um desenvolvimento único, com permutações e derivações dos temas levando o trabalho adiante. A síntese é muitas vezes tão completa e orgânica que leva a pensar que ele começou pelo final, escrevendo rumo ao início, de trás para frente.

Sibelius foi muitas vezes criticado como uma figura reacionária da música clássica do Século XX. Apesar das inovações da Segunda Escola de Viena, ele continuou a escrever num idioma estritamente tonal. Entretanto, críticos que procuraram re-avaliar a música de Sibelius têm citado a sua auto-estrutura interna, que destila tudo numas poucas idéias motívicas permitindo à música crescer organicamente. Esta natureza severa da orquestração de Sibelius é geralmente creditada como uma representação da "característica finlandesa", extirpando o supérfluo da música.

Esta auto-estrutura interna contrasta profundamente com o estilo sinfónico de Gustav Mahler, o grande rival de Sibelius na composição sinfónica. Enquanto a variação temática desempenhou um importante papel nos trabalhos de ambos os compositores, Mahler fez uso de disjunções, mudanças abruptas e contrastes de temas, enquanto Sibelius transformava lentamente elementos temáticos. O compositor finlandês escreveu que admirava a severidade de estilo e a profunda lógica que ligava intimamente os temas – a opinião de Mahler era justamente o oposto, de que uma sinfonia deveria ser um mundo, abraçando tudo.

Apesar disso, os dois rivais encontraram campos comuns na música. Como Mahler, Sibelius fez uso freqüente tanto de música folclórica quanto de literatura na composição dos seus trabalhos. O movimento lento de sua Segunda Sinfonia baseou-se no motivo do Commandatore em Don Giovanni, enquanto a sua Quarta Sinfonia combinou o trabalho de uma planejada "Sinfonia da Montanha" com um poema sinfónico baseado no trabalho O Corvo, de Edgar Allan Poe. Sibelius também escreveu vários poemas sinfónicos baseados na poesia finlandesa, sendo En Saga o primeiro e Tapiola o último, sua última grande composição.

As melodias de Sibelius muitas vezes possuíam poderosas implicações modais. Ele estudou a polifonia renascentista assim como um dos seus contemporâneos, o compositor dinamarquês Carl Nielsen, e a música de Sibelius frequentemente reflete essa influência. Ele muitas vezes variou os seus movimentos numa peça mudando os valores das notas nas melodias, ao invés da mudança convencional de tempo, desenhando uma melodia sobre determinadas notas enquanto deixava fluir outra melodia num ritmo mais lento. A sua Sétima Sinfonia, por exemplo, é composta de quatro movimentos sem pausas, onde cada tema importante está em dó maior ou dó menor; a variação vem do tempo e do ritmo. A sua linguagem harmónica era geralmente restrita, até iconoclasta, quando comparada à de muitos de seus contemporâneos que já experimentavam o Modernismo musical. Como reportado no jornal Manchester Guardian em 1958, Sibelius sumarizou os seus últimos trabalhos dizendo que, enquanto a maioria dos outros compositores estavam preocupados em oferecer coquetéis à audiência, ele oferecia água pura e gelada.

Por causa de seu conservadorismo, a música de Sibelius é algumas vezes considerada insuficientemente complexa, mas ele sempre obteve respeito dos seus mais modernos companheiros. No final da vida ele foi premiado pelo crítico Olin Downes, que escreveu uma biografia, mas foi atacado pelo crítico e compositor Virgil Thomson. Talvez uma razão para que Sibelius tenha atraído tanto a ira quanto a admiração dos críticos é que em cada uma de suas sete sinfonias ele abordou os problemas básicos de forma, tonalidade e arquitetura de maneira única e individual. Por um lado, a sua criatividade sinfónica e tonal foi moderna, mas outros entenderam que a música deveria ter tomado um rumo diferente. A resposta de Sibelius à critica foi ríspida:

«Não preste atenção ao que os críticos dizem. Nunca nenhum prémio foi dado a um crítico.»

(Jean Sibelius)

Com o tempo, Sibelius procurou usar novos padrões de acordes, incluindo trítonos puros – como em sua Quarta Sinfonia – e estruturas melódicas simples para construir longos movimentos na música, de uma maneira similar ao uso das dissonâncias de Joseph Haydn. Sibelius de vez em quando alternava secções melódicas com acordes fortes de metais que diminuem e somem aos poucos, ou baseava a sua música em figuras repetidas que antagonizavam a melodia e a contra-melodia.

Em 1926, houve um acentuado declínio na produção de Sibelius. Após a sua Sétima Sinfonia, ele produziu poucas obras durante o resto da sua vida. Diz-se que as duas mais significantes foram a música incidental para A Tempestade, de Shakespeare, e o poema musical Tapiola. Durante os últimos quase trinta anos de sua vida, Sibelius até evitava falar de sua música.

Existem evidências substanciais de que Sibelius trabalhou no que seria sua Oitava Sinfonia. Ele chegou a prometer a sua estreia a Serge Koussevitzky em 1931 e 1932, e uma execução em Londres em 1933 sob a regência de Basil Cameron foi até anunciada ao público. Entretanto, a única evidência concreta da existência da sinfonia em papel é um esboço do que seria uma cópia do primeiro movimento. Sibelius sempre foi muito auto-crítico, ele sempre dizia aos amigos que, se não pudesse compor uma sinfonia melhor que a Sétima, então esta seria a sua última. Uma vez que nenhum manuscrito sobreviveu, fontes consideram que o próprio Sibelius destruiu todas as partituras, provavelmente em 1945, já que durante este ano ele certamente atirou uma grande quantidade de papéis às chamas, na presença da sua esposa.

Sibelius entrou e saiu de moda, mas continuou como um dos mais populares sinfonistas do Século XX, com o completo ciclo de suas sinfonias sendo sempre regravado. No seu próprio tempo, entretanto, ele focou muito mais a música de câmara para uso doméstico – muito mais rentável – e ocasionalmente para trabalhos em palco. Eugene Ormandy e, em menor escala, o seu predecessor Leopold Stokowski, foram os maiores divulgadores da música de Sibelius à audiência americana, tendo o próprio Ormandy desenvolvido amizade junto a Sibelius ao longo de sua vida. Actualmente, Paavo Berglund e Colin Davis são considerados os maiores expoentes na música de Sibelius. Outros conjuntos de gravações notáveis foram produzidos por John Barbirolli, Vladimir Ashkenazy, Leonard Bernstein, Simon Rattle e Lorin Maazel. Herbert von Karajan também se associou a Sibelius, gravando todas as suas sinfonias, exceto a Terceira – algumas delas mais de uma vez. Recentemente, Osmo Vänskä e a Lahti Symphony Orchestra executaram o ciclo completo de Sibelius, incluido peças não-publicadas e retratadas, como as primeiras versões da Quinta Sinfonia (1915) e o Concerto para Violino (1903), sendo largamente aclamados pela crítica.

Para ouvir

http://www.youtube.com/watch?v=9t0FBQ3xeVA